sábado, 3 de junio de 2017

viernes, 2 de junio de 2017

Lista de las 10 peores películas de 2016 (de peor a menos mala)

En este artículo llevaré a cabo la lista de las 10 peores películas del año (2016) según mi criterio. Las películas estarán ordenadas de peor (1) a mejor (10). No hace falta decir que la intención de este listado es avisarles con antelación para que eviten el visionado de cualquiera de estas nocivas obras y que cada uno deberá hacerse responsable de las consecuencias de hacerlo.

sábado, 27 de mayo de 2017

Crítica de "Piratas del Caribe: La venganza de Salazar"

-Todo resulta forzado e irrisorio en este perezoso intento de reflotar la famosa franquicia.

-Los nuevos fichajes del reparto aportan lo más destacable de la cinta, que está a un paso de ser tan criminal como la piratería.

Recuerdo cuando llegaron los Piratas del Caribe al cine la primera vez, una magnífica forma de traer de vuelta un género de aventuras que me encantaba de niño. Resulta curioso que con cada nueva película la franquicia se haya acercado más a sus orígenes, las atracciones de un parque temático. De ahí salió la idea, simplemente Disney vio un buen filón y lo aprovechó. Ahora bien, cuando digo que se acerca a sus orígenes en este sentido, me refiero a que cada vez hay menos cine en estas películas y más entretenimiento mecánico para un gran público que disfruta de una fórmula calcada que se agotó hace mucho. Como cada nuevo viaje en una montaña rusa, cada nueva entrega sigue ofreciendo vaivenes, giros y hasta algún sobresalto, pero la sensación de subir una y otra vez en la misma atracción, pese a cierta nostalgia de la primera vez, es la de algo anodino, reiterativo y carente de ningún riesgo. A eso hay que sumarle uno de los problemas estrella de los últimos viajes de Jack Sparrow; la reducción al mínimo del género aventurero para dejar paso a un desesperante elemento de comedia caricaturesca. En este quinto filme pirata, cogen el testigo de Rob Marshall los directores Joachim Rønning y Espen Sandberg, con un curriculum entre la infumable “Bandidas” y la admirable “Kon-Tiki”. Al conocido reparto se unen algunas novedades, entre ellas: Javier Bardem, Brenton Thwaites, Kaya Scodelario y David Wenham. Veamos si el quinto viaje en esta atracción aún mantiene algo de interés, aunque sea por el mareo.

lunes, 22 de mayo de 2017

Crítica de "Déjame salir"

-Una furiosa sátira social a medio camino entre el chiste racial, el terror paranoico y el retrato de la América moderna.

-Peele es un tipo inteligente y gracioso, con la capacidad de ser subversivo al bañar los códigos del terror en un humor negro muy actual. Hacía tiempo que no me reía tanto estando tan agobiado.

Bajo todo el típico marketing de película de terror comercial que hará sentirse estafado a un importante segmento del gran público, se halla otra de esas propuestas del género que nos han estado desconcertando, inquietando y maravillando a partes iguales en los últimos años. Esta temporada, el encargado de hacer realidad nuestras pesadillas, o más bien de acercarnos a una aterradora realidad actual mediante la exageración de la ficción -esta vez sí- inspirada en "hechos" reales, es el comediante y actor Jordan Peele. Un tipo que ha sabido deconstruirse para rebrotar con sus facultades humorísticas orientadas a crear una impagable sátira de horror a través de un guion provocativo y muy afilado. A su sorprendente debut tras las cámaras se une un reparto de actores en plenas facultades. Encabezado por una de las sorpresas del momento, Daniel Kaluuya (Sicario), y completado por: Allison Williams, Catherine Keener, Bradley Whitford, Betty Gabriel y Caleb Landry Jones -entre otros-. Cuidado con entrar en este show, quizás luego no puedan -o no quieran- salir.

domingo, 14 de mayo de 2017

Crítica de "Alien: Covenant"

-Mitad terror de serie B sobre asesinos en serie y mitad ciencia ficción filosófica. Scott tiene demasiado miedo a arriesgarse de verdad, pero su talento es inconstestable.

-Aunque intentan -sin éxito- que la correcta Katherine Waterston sea la nueva Sigourney Weaver, es Fassbender el que se hace con la función desde el primer minuto en pantalla.

Me considero un gran defensor de Ridley Scott. Creo que después de sus obras maestras aún creó cine brillante. Aquella tragicomedia negrísima protagonizada por Nicolas Cage (Matchstick Men), la epopeya criminal que enfrentó a Denzel Washington con Russell Crowe (American Gangster) o la incomprendida The Counselor, que tenía uno de los mejores guiones con los que jamás ha trabajado Scott. Pero reconozco que este cineasta ha pasado a la historia por sus tres primeras películas, en especial por Alien y Blade Runner. Dos cintas que me marcaron como amante de la ciencia ficción. De Alien vi una secuela muy interesante, entretenida y anabolizada de James Cameron, un fracaso curioso de David Fincher y una desastrosa juerga con vacuas pretensiones dirigida por Jean-Pierre Jeunet y escrita por Joss Whedon. Pero nunca esperé que el propio Scott recuperara su universo para hacer algo como Prometheus, un proyecto de inmenso interés que no salió tan redondo como debía. No obstante, también reivindico esa obra de Scott, pues pese a que los elementos más básicos del guion fallaban estrepitosamente, también se formulaban preguntas fascinantes, aún más intrigantes al presuponer imposible una respuesta para ellas. La secuela de aquella película, razón por la que escribo estas líneas, cambió de título para añadir el famoso Alien. Scott dejó de rechazar la relación con su película original y aceptó que los fans querían más Xenomorfos. Por esa razón con la ayuda de los guionistas John Logan y Dante Harper, ha vuelto a un territorio conocido para comenzar una nueva serie de películas que nos dejen dónde comenzó todo, junto a la Teniente Ellen Ripley; pero con más respuestas que preguntas, a priori. Veamos como le ha salido la jugada al tito Scott.

miércoles, 10 de mayo de 2017

Crítica de "The Lost City of Z"

-Son 140 minutos de puro cine. Narrado y rodado con maestría, y bien interpretado.

-Demos gracias porque aún quedan directores que hagan películas como esta.

Llevo años diciendo que James Gray es ese gran director desconocido. Un autor de caligrafía y personajes clásicos (uno de los escasos herederos del clasicismo cinematográfico junto con Jeff Nichols) pero con aliento contemporáneo. Un tipo de inmenso talento visual, capaz de lo más sobrio y lo más poético, cuyos personajes viven a a través de las imágenes que él crea, en géneros que renueva gracias a sus riesgos narrativos, sus hábiles puntos de vista y una personalidad sólida que va más allá de sus refinadas influencias “coppolienses”. En esta ocasión no me voy a parar a hablar de su filmografía, algo que he hecho en artículos anteriores, pero sí diré que su nueva película es el proyecto más ambicioso que ha llevado a cabo hasta la fecha. Como no puede ser de otra manera, Gray firma el guion de esta aventura en la que nos narra la vida y hazañas del británico Percy Fawcett, perseverante militar y explorador que participó en una expedición tras otra, convencido de poder encontrar la legendaria ciudad de Z. Charlie Hunnam interpreta al personaje con elegante porte y reconocible voz grave, brindándole la necesaria complejidad pero más centrado en favorecer a la historia y al propio personaje que a si mismo como actor. El elenco lo completan: Sienna Miller, Tom Holland, Robert Pattinson, Angus Macfadyen y Bobby Smalldridge -entre otros-. Bien, veamos si en el fondo de la selva hallamos oro y conocimiento o por el contrario Gray nos lleva a perdernos en medio de los árboles.

sábado, 6 de mayo de 2017

Crítica de “El círculo”

-Preferiría trabajar en atención al cliente que volver a ver una película tan idiota como ésta.

-Aún nos faltan años para derrocar dictadores enviando caritas enfadadas, pero tal vez unos cuantos “dislikes” sirvan de retroalimentación para los responsables de esta pifia. Igual nos devuelven el dinero.

La carrera de James Ponsoldt se iba cimentando de forma muy sólida, con proyectos independientes de sumo interés. En 2013 se estrenó The Spectacular Now, un conmovedor retrato de la adolescencia y el paso a la madurez, dos años después el director entregaba The End of the Tour, estupendo y reflexivo drama de ritmo sosegado, con un inteligente guion y el duelo interpretativo entre Eisenberg y Segel. Ahora que han pasado otros dos años, Ponsoldt nos trae una propuesta muy llamativa, la adaptación del famoso best-seller de Dave Eggers, El círculo. La película no llega en mal momento, ahora que Black Mirror tiene a todo el mundo atrapado en su red y aviva nuestros presagios sobre los males de Internet, la evolución de la sociedad cibernética y la eliminación de la privacidad y la identidad del individuo. Para buena noticia de los fans, el guion lo co-escriben Ponsoldt y el propio Eggers. Además tenemos la música de Danny Elfman, la fotografía de Libatique y un reparto atractivo encabezado por Emma Watson y completado por Tom Hanks, John Boyega, Karen Gillan, Bill Paxton y Ellar Coltrane -entre otros-. Como ocurre con Internet y su imparable progresión, este equipo de profesionales nos hace preguntarnos: ¿Qué puede salir mal?

sábado, 29 de abril de 2017

Crítica de "Guardianes de la galaxia Vol.2"

-Puede que el público la adore por su mezcla de acción incesante y diálogos ágiles repletos de gags y humor nostálgico; pero lo mejor de este volumen 2 es la atención al interior de sus personajes.

-Gunn ha explotado totalmente su amor por el cine de Serie B en esta secuela mucho más inteligente de lo que se ve a primera vista.

Sin rodeos ni saltos espaciales. No es difícil saber que el UCM me ha ido entusiasmando más y más desde que decidió especializar cada película en un género diferente para que las tropecientas cintas anuales no se nos hagan tan cansinas. Avengers (2012) fue una película clave, una declaración de lo que se podía lograr uniendo a los héroes tras sus películas individuales, un logro (para bien y no tan bien) del cine como entretenimiento y un regalo para cualquier fan de los cómics que no fuera especialmente quisquillosos para entender que el universo cinematográfico no seguiría los pasos de lo narrado en las grapas. No obstante, la película estrella de la casa de las ideas es, fue y probablemente será Guardians of the Galaxy (2014) de James Gunn. Un prodigio de Space Opera convertida en película de culto instantáneo, el Star Wars de la nueva generación. Pura nostalgia, puro color, puro exotismo visual, puro cariño por los personajes y chabacanería paródica para dar el contraste necesario a todo ese cine superheroico post-Nolan necesitado de filosofía trascendente, oscuridad épica y delirios de tragedia. Un recuerdo valioso de como era el cine de entretenimiento de antaño. Ahora, después de tres largos años de espera, regresan nuestros forajidos favoritos. Con James Gunn de nuevo a los mandos de la nave y un potente reparto que crece gracias a los fichajes de Kurt Russell, Sylvester Stallone y Elizabeth Debicki; entre otros. Abrochaos los cinturones, vamos a hablar de esta nueva y psicotrópica aventura espacial. Darle play al volumen 2.

viernes, 28 de abril de 2017

Crítica de "Lady Macbeth"

-Me atrapa su poderío formal, exuberante en cada imagen. Pero el contenido no tiene doblez ni hondura de ningún tipo, es una provocación vacua y traicionada por sus propios actos.

-Gustará a los que busquen una histriónica telenovela de rebelión femenina demasiado centrada en el golpe de efecto para atender a las cosas que importan.

Una de las última propuestas potentes del pasado 2016 que aún quedaban por llegar a la cartelera española era este debut en el largometraje del cortometrajista William Oldroyd. Para los que estén algo perdidos, esta historia no está relacionada con el texto de Shakespeare, sino con la novela de Nikolai Leskov, cuyo título sí está hábilmente vinculado con la tragedia del bardo inmortal. Del libreto se encarga Alice Birch, actriz que debuta en ésto de la escritura de guiones. La protagonista de la historia es Katherine (Florence Pugh). Una joven recién casada, debido a una venta de tierras, con un hombre amargado que no la quiere. Ambos viven con el padre de éste, un viejo aún más odioso. Así es como Katherine irá entrando en un estado de rebeldía cuyos actos deberían llevarnos al límite de la duda moral. Deberían.

domingo, 23 de abril de 2017

Crítica de "John Wick: Pacto de sangre"

-Un buen puñado de escenas de lucha minuciosamente ejecutadas son el plato principal de esta secuela. También el aperitivo, el entrante, el postre y hasta el café del final. No hay nada más.

-Toda película, del tipo que sea, necesita de un argumento creíble que la haga avanzar. La acción por la acción no es suficiente.

El estreno de esta secuela de John Wick es casi como un acontecimiento en la cartelera española. La primera entrega nunca llegó a estrenarse en nuestras salas. En lugar de eso hubo que conformarse con verla por Netflix. Pero bien merecía una sala de cine, porque aquella película dirigida por Chad Stahelski y David Leitch es sencillamente unos de los mayores placeres que el cine de acción me ha proporcionado en años. Recuperar al Reeves más contenido (seamos buenos) para convertirlo en un personaje que destila misterio y “fuckerismo” e introducirlo en una cruda historia de mafias sobre un brillante submundo de asesinos por contrato. Además con una excusa argumental que funciona rematadamente bien y con un apartado visual que deleita con el aprovechamiento de las localizaciones y de paso unas coreografías de lucha para mojar pan. Normal que ya sea casi como una película de culto. Por esa razón esta secuela dirigida por Chad Stahelski (Leitch está con Atomic Blonde) era bien esperada, y parece que ha sido aún mejor acogida. Personalmente me han sobrado segundos para ponerme mis mejores galas e ir a disfrutar de esta maravillosa serie B. Por desgracia, me ha decepcionado.

lunes, 17 de abril de 2017

Crítica de “Fast & Furious 8”

-El trailer resume los pocos puntos convincentes de la película sin intoxicarnos con esa chorrada de argumento y demás balbuceos rancios del guion de Chris Morgan.

-Las escenas de acción no tienen ingenio, las actuaciones son terribles, las líneas de diálogo no entran ni en la serie B y ni siquiera es capaz de suspender nuestra incredulidad.

Creo que es la primera película numerada con un 8 de la que hago una crítica. Tenía fe en que algo me llevara a entender la razón de hacer tres películas más de esta saga a pesar del estupendo cierre que James Wan le dio a la franquicia en la séptima. Quería refugiarme en Dwayne Johnson desviando un torpedo soviético y cosas de ese tipo; pero no ha sido posible. La entrada de F. Gary Gray (The Italian Job) no me pareció una mala decisión y todo parecía apuntar a que esta octava entrega seguiría eso de la “desmesura sin reglas” que ha ido adoptando la saga poco a poco hasta que sus héroes han entrado a jugar en la liga de los James Bond, los Ethan Hunt, los mercenarios de Stallone y hasta los Vengadores de la Marvel. Porque éstos fenómenos de las carreras callejeras pueden literalmente con cualquier amenaza planetaria. El nuevo rumbo no convence a aquellos fans que buscan las carreras callejeras y el “tunning” de antaño, pero las cifras indican que convence a mucha otra gente. Personalmente he ido apreciando más la saga con el paso del tiempo, por algo la séptima entrega me parece la mejor y más entretenida con diferencia, ya que juega con sus propias reglas y gana. La octava parecía ir en la misma dirección, pero se han cometido dos errores imperdonables. Primero, ponerle óxido nitroso a un vehículo oxidado y hueco; segundo, correr una carrera contra sus valores y su propia leyenda.

jueves, 13 de abril de 2017

Crítica de "The Boss Baby"

-Tan chapucera y soporífera que he tenido la sensación de hacerme viejo y cascarrabias en la sala.

-Es como intentar hacerle a alguien cosquillas con un trozo de lija durante una hora y media.

Tom McGrath se hizo un nombre en esto del cine de animación gracias a la aplaudida Madagascar y a sus no tan aplaudidas secuelas. La dirección de esas películas transcurrió mano a mano con Eric Darnell, que venía de trabajar en una de las mejores películas de animación de finales de siglo, Antz. En 2010 McGrath llevó a cabo un proyecto en solitario, Megamind, una sátira superheroica que nunca he llegado a ver al completo. En esta ocasión no hay superhéroes, solo un bebé parlante con traje a medida y muchos fajos de billetes. La historia se debe al libro homónimo de Marla Frazee, y aunque la premisa no es imaginativa ni innovadora, quedaba la esperanza de que Dreamworks nos conquistara con una realización deslumbrante.

sábado, 8 de abril de 2017

Crítica de “Life” (Vida)

-Sin llegar a la categoría de “basura espacial”, este insuficiente e indolente remedo sci-fi hace ambicionar una siesta en alguna cápsula de hibernación cercana. Aunque la butaca es suficiente.

-No hay vida en esta película ni particular ingenio en sus responsables, el descubrimiento es ver que Ryan Reynolds ha sido absorbido por el papel de Deadpool.

Hay películas que provocan pereza. Ahora mismo aún me pesa ese sentimiento debido al visionado reciente del nuevo trabajo de Daniel Espinosa. Por tanto no voy a ponerme difícil esta introducción y simplemente haré la típica referencia al director. Este cineasta sueco-chileno se dio a conocer de forma internacional con Dinero fácil, un frío y solvente thriller dramático protagonizado por Joel Kinnaman. Su posterior salto a Hollywood le ha venido muy mal al director, ya que tanto Safe House como Child 44, sus siguientes películas, fueron thrillers mediocres y desaprovechados. En esta ocasión permanece en el género pero mudando hacia el terror y en un contexto de ciencia ficción. Life es una claustrofóbica cinta de horror espacial escrita por los guionistas de Deadpool y con un atractivo reparto coral. A pesar de lo bien que suena ésto, lo único bueno es que en el espacio nadie puede oír nuestros ronquidos.

sábado, 1 de abril de 2017

Crítica de "Ghost in the Shell" (2017)

-Hollywood le ha arrancado el alma, la poesía, la belleza y la inteligencia a la historia de Masamune Shirow. Los pezones son lo de menos.

-Sanders nos recuerda el peor significado de los términos “remake” y “blockbuster”.

Puede que no sepan quien es Masamune Shirow. Tal vez hasta ahora no conocieran esta inabarcable obra suya o que lo hicieran gracias a la adaptación que Mamoru Oshii hizo en 1995. Si su primer encuentro con la historia de Motoko Kusanagi es con este remake de imagen real escrito por William Wheeler (Queen of Katwe) y dirigido por Rupert Sanders (Snow White and the Huntsman), lo siento mucho por ustedes, pero ni está cerca de hacer honor a una de las mejores obras del Cyberpunk. En seguida les explico las razones por las cuales la atrayente puesta en escena y las tramposas ínfulas metafísicas son un mero envoltorio para otro blockbuster Hollywoodiense sin pizca de personalidad o contenido. No obstante, si han venido a leer mis reproches sobre el casting occidental, ya saben dónde está la puerta. Esta cinta tiene bastantes problemas que comentar sin necesidad de meterse en otras polémicas mucho menos interesantes. Vamos allá.

domingo, 26 de marzo de 2017

Crítica de "La cura del bienestar"

-Deben aventurarse en este viaje comprendiendo que el sentido fundamental del terror no es ser coherente, complaciente o sobrio, sino aterrador.

-Una historia interesante, una atmósfera densa y un apartado visual para perderse en él. Si les gusta el terror gótico tienen aquí una cita obligada.

Sé de sobra que no ha gustado demasiado este demente trabajo de Gore Verbinski, pero a mi me ha entusiasmado. He dejado que repose el tiempo suficiente y sigue retorciéndose en mi mente como una anguila colérica. Porque es una película bastante subversiva, que sale de los terrenos marcados y respira con pulmones propios. Uno de los trabajos más personales y autorales de este cineasta que tras sorprender con su remake de The Ring me cautivó con una de las mejores comedias dramáticas de la primera década del siglo XXI, The Weather Man, y con una cinta de animación con la que rompí el aplausómetro, Rango. También es cierto que su anterior película, la adaptación larga, aburrida, tópica y absurda de The Lone Ranger, fue una tortura. Pero solo es porque este señor necesita salir de los proyectos de encargo y trabajar según sus términos, germinando hasta convertirse en una especie de enfant terrible surgido de Hollywood. Eso ha hecho en esta ocasión, con la ayuda del desigual guionista Justin Haythe (Revolutionary Road, Snitch), y el resultado no dejará indiferente a nadie. No esperaba menos de Verbinski.

sábado, 25 de marzo de 2017

Crítica de “Southpaw”

-Jake Gyllehaal te destroza con una zurda demoledora, su interpretación es salvaje y arrolladora.

-Típico drama sobre el boxeo con trama de redención y exceso de sensiblería. Fuqua sabe como hacer que algunas escenas funcionen mejor de lo esperado.

El boxeo siempre ha sido un tema de relativa frecuencia en el cine y durante los últimos años han llegado a la cartelera películas excelentes que radiografiaban este controvertido deporte así como la vida y la filosofía de sus boxeadores. No sólo eso, el género ha sabido complementarse perfectamente con el drama desde muy atrás, brindando historias fascinantes, humanistas, redentoras, vengativas y también tratando infinidad de temas o retratando variedad de épocas y ambientes. Todo el mundo recuerda Rocky o Raging Bull (una de las películas favoritas de este crítico) pero no sólo de esos clásicos vive este género. Sería imposible no acordarse, por ejemplo, de aquella demoledora Body and Soul (1947) de Robert Rossen o de uno de los mejores papeles del inigualable Paul Newman, que allá por 1956 interpretaba al púgil Rocky Graziano en el fascinante drama biográfico dirigido por Robert Wise; con un fugaz cameo que supondría el debut de Steve McQueen. Persiste también el recuerdo de aquella tercera colaboración entre Jim Sherindan y Daniel Day-Lewis titulada The Boxer, en la que el actor ofrecía uno de sus trabajos más fascinantes. Y si lo que quieren son ejemplos actuales, hay a puñados. Desde las más infravaloradas como Cinderella Man de Ron Howard o, a principios del nuevo siglo, el Ali de Michael Mann; hasta algunas de las más reconocidas como Million Dollar Baby, The Fighter, The Wrestler o más recientemente Creed de Ryan Coogler. En esta ocasión ha sido Antoine Fuqua quien ha decidido probar suerte en este deporte, y para ello cuenta con Jake Gyllenhaal, que se sube al ring dispuesto a darlo todo con una interpretación comprometida e inflamable, otro punto que añadir a una carrera alucinante. En su esquina encontramos también a algunos secundarios de lujo, entre los que destacan: Rachel McAdams, Naomie Harris y Forest Whitaker, que hacen un trabajo más que correcto. Nos ha llegado con mucho retraso, pero al fin la tenemos en cartelera, y deben ustedes preguntarse: ¿Es esta una película ganadora?

sábado, 18 de marzo de 2017

Crítica de "Crudo"

-Ópera prima de determinación, valentía y personalidad arrolladoras. Impactante, inteligente y tan aterradora como auténtica.

-Ducornau nos abre el canal con precisión y confianza. Todo un tour de force para el espectador.

Después de una sofocante campaña de marketing, he ido a ver Crudo, el debut de la directora francesa Julia Ducournau. En la sala no ha habido ningún desmayo o desfallecimiento, y lo primero que hay que tener claro cuando hablamos de esta película, es que no se parece a lo que les han estado vendiendo. Las apuestas de terror no convencionales, en especial esta nueva ola repleta de cineastas con cosas que decir y comprensión de las claves del género para engendrar y trasmitir sus ideas, caen ante sus propias campañas de publicidad que, por irónico miedo a que su película no sea un éxito, juegan a la prestidigitación para vender algo que no es exactamente lo que encontraremos en la sala de cine. Lo sufrieron los trabajos de Shyamalan (The Village), lo sufrió The Witch de Robert Eggers y también Babadook; tuvo más suerte It Follows. Todas grandísimas películas que rechazaban las fórmulas manidas para renovar un género poco inspirado en los últimos años. Pues bien, esta vez lo está sufriendo Crudo. Mi trabajo con este artículo es darles un contexto correcto, para que vayan a ver la película que realmente está en la sala.

jueves, 16 de marzo de 2017

Crítica de "Gold"

-Un filme de planteamientos interesantes que no tiene el arresto para profundizar en ellos. Queda un correcto entretenimiento superficial.

-McConaughey, entre el chiste y el tour de force, electrifica esta historia convencional y familiar.

La primera vez que vi esas letras doradas y oí hablar de esta propuesta, me resultó muy interesante. Me refiero a la propuesta con el equipo actual, después de que Paul Haggis y Michael Mann salieran del proyecto y mucho antes de que nuestros traductores chafaran la película con ese título tan innecesario. Aún había personas que la relacionaban con una de mis películas favoritas de todos los tiempos, The Treasure of the Sierra Madre de John Huston. Escuchando eso y sumando el resto de elementos atractivos, uno podía imaginarse que Gold sería una de las grandes apuestas del 2016, pero ahora que ha llegado a cartelera veo que no ha tenido un gran recibimiento y en general ha pasado desapercibida salvo por la actuación de Matthew McConaughey. El director es Stephen Gaghan, cuyo anterior trabajo queda ya once años atrás, Syriana, un exótico thriller basado en hechos reales que recogió muchos elogios por entonces. En esta ocasión vuelve a las historias reales, aunque no desvelaré nada por si quieren disfrutar de la película y luego conocer los hechos por su cuenta. Gaghan no se encarga esta vez de escribir el guion, la tarea queda para un dúo de guionistas no especialmente talentoso, Patrick Massett y John Zinman (Knight Rider 2008, Lara Croft: Tomb Raider). Por último tenemos a Matthew McConaughey a la cabeza y un reparto de secundarios bastante jugoso, entre ellos: Edgar Ramirez, Bryce Dallas Howard, Corey Stoll, Toby Kebbell, Bruce Greenwood y Stacy Keach. Veamos si en este caso es oro lo que reluce o el título español es una prevención para que no nos saquen los cuartos.

miércoles, 15 de marzo de 2017

Crítica de "El fundador"

-La primera y convencional hora hace deslucir la inesperada mordacidad crítica de la segunda. Pero si superponemos ambas partes surge una película fascinante.

-Michael Keaton ofrece una estupenda interpretación del fundador de una idea contradictoria y escalofriante convertida en un imperio multimillonario coronado por dos hipócritas arcos dorados.

Seguro que mientras alguno de vosotros lee esta crítica se está zampando un Big Mac, quizás pensando en un McPollo con unas deliciosas patatas deluxe. Perfecto, porque vamos a hablar de esta curiosa propuesta que a priori parece ser una cinta biográfica sobre el fundador de McDonald's. O más bien sobre el tipo que robó la idea multimillonaria mediante la perseverancia y una falsa sonrisa de oreja a oreja y la convirtió en todo lo que es a día de hoy, interpretación que dejo a sus sabios paladares y valores personales. Ahora mismo lo que le toca a servidor es hablar de la trinidad principal que firma esta película. En primer lugar la cara protagonista, Michael Keaton, ese actor renacido de la forma más gamberra posible y que vuelve a demostrar estar en plena forma. Después las manos que escriben el texto, las de Robert D. Siegel, guionista de títulos tan dispares -entre si- como Warrior, Turbo y Big Fan (con la que debutó en la dirección). Por último, el que ostenta la silla de dirección, John Lee Hancock. Ese correcto director de encargo que entrega un filme cada cuatro años aproximadamente. Bien, ya tenemos suficiente información para asomarnos a nuestro cine más cercano y ver de qué va todo ésto, les cuento.

domingo, 12 de marzo de 2017

Crítica de "Doña Clara" (Aquarius)

-Enérgica radiografía social y delicado prisma observacional sobre la dicotomía tiempo-espacio y su relación con la identidad en base al estudio de un personaje maravilloso.

-Sonia Braga completa una de las mejores interpretaciones del año, sencillamente inmensa.

Llevaba bastante tiempo con esta película apuntada en la lista de pendientes de 2016. Había leído cosas muy buenas sobre ella y además el anterior trabajo del director, Sonidos del barrio, fue fruto de mi interés, en especial por lo mucho que tenía que decir. El director y guionista tras estas dos películas se llama Kleber Mendonça Filho, y parece que vuelve a tener mucho que decirnos con este largometraje. Es curioso que el título de este nuevo filme cambie tanto, aparentemente, en la traducción de nuestro país. El título original es Aquarius, el edificio dónde transcurre la película, mientras que en España la película se titula Doña Clara, nombre de la protagonista a la que da vida Sonia Braga. Ambos personajes, edificio y mujer, forman parte el uno del otro. De eso precisamente trata esta película.

sábado, 11 de marzo de 2017

Crítica de "Kong: Skull Island"

-Uno de los mejores blockbusters de los últimos años. Es inteligente, hermoso, atrevido y peligrosamente divertido.

-Los problemas de guion no son capaces de impedir que el viaje sea un auténtico disfrute cinéfilo. Cualquier "pero" se queda pequeño comparado con Kong, el auténtico rey de los monstruos.

Jordan Vogt-Roberts es un director estadounidense que iba a encargarse de la adaptación al cine de la famosa saga de videojuegos Metal Gear Solid. La verdad es que no sé como lleva esa tarea completamente imposible, pero tampoco entendía muy bien la decisión. La razón, su único largo hasta ahora era un interesante drama independiente sobre la adolescencia, titulado The Kings of Summer. Cuando la vi me sorprendió bastante. Era fácil encariñarse con aquellos personajes que huían para crecer por si mismos, su humor era tan extraño como cautivador y las influencias del director eran sofisticadas. Aún así, saltar de ahí hacia la adaptación de MGS, un thriller de ciencia ficción inabarcable y en el terreno maldito de las adaptaciones del videojuego; algo peculiar. Sea como fuere su nuevo proyecto me despistó más o menos por igual. Se iba a encargar nada más y nada menos que de una precuela de mi amado King Kong. A priori no es un momento nada malo, pues se está apostando bastante por el género Kaiju Eiga, aunque personalmente creo que no se está profundizando bien en él. Hace ya 12 años desde que Peter Jackson cumpliera su sueño de la infancia de revivir a Kong para el celuloide, con aquella desproporcionada aventura de 190 minutos que tan pronto me hechizaba como me fatigaba. Ahora Warner Bros nos lo trae de vuelta, más grande, con guion de Dan Gilroy (Nightcrawler) y Max Borenstein (Godzilla 2014), y un reparto coral muy potente en el que podemos encontrar a: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly y Toby Kebbell. Pero que quede una cosa bien clara, Kong es el verdadero rey de la función.

lunes, 6 de marzo de 2017

Crítica de "Logan"

-Insólita, robusta, triste, desgarradora y brutal. Esta es la película de Wolverine que estabais esperando.

-Stewart y Jackman dejan sus papeles por todo lo alto, Mangold se gana el aplauso y Dafne Keen da la sorpresa.

Hace 17 años entramos en este siglo XXI y se dio el pistoletazo de salida a un género que ahora mismo está claramente sobreexplotado. El cine de superhéroes empezó a pisar fuerte con X-Men (2000) de Bryan Singer. Ahora cada día tenemos más y más producciones de presupuestos desmesurados, incluso la televisión se ha hecho eco durante estos últimos años. La saga mutante también ha ido cambiando y creciendo, al menos hasta un tope, pues Apocalypse fue un desastre bastante grande. Además de sus películas grupales, nos ha ofrecido varios spin-off con el personaje de Wolverine a la cabeza. Del primero, Orígenes, se encargó Gavin Hood y fue una basura deleznable. En la secuela cogía el testigo James Mangold, que subió un poco el lamentable listón sin llegar ni de cerca al aprobado, pues era una secuela muy absurda. En esta tercera entrega vuelve Mangold a la silla de director, pero algo ha cambiado, algo muy importante. La aparición de Deadpool en la gran pantalla ha trastocado no solo la infancia de algunos críos con padres poco protectores, sino también el género. El mercenario bocazas de Ryan Reynolds fue todo un éxito y la película tiene el honor de ser la más taquillera de la historia con calificación R. Toda una declaración de intenciones sobre la posibilidad de hacer películas adultas sin perder público. Gracias a ese golpe sobre la mesa, Hugh Jackman abandona su papel de Logan con esta última entrega crepuscular y ultraviolenta; que nos muestra en la gran pantalla al Wolverine que llevo leyendo desde crío, un antihéroe que ya es leyenda.

sábado, 4 de marzo de 2017

Crítica de "El viajante"

-Una película que sorprende y se pliega en cada nueva escena, cambiando nuestro punto de vista. Te absorbe, te perturba y te hace reflexionar.

-Aunque lejos de las mejores obras de Farhadi, estamos ante un inteligente y minucioso drama social; repleto de contrastes, reflejos y simbolismos fascinantes.

Es una pena no haber visto esta nueva película de Asghar Farhadi antes de la ceremonia de los Oscar. En vez de llevarme un chasco por la derrota de Toni Erdmann o quejarme por el olvido de la imborrable Elle, habría aplaudido un premio en absoluto desmerecido. Porque el cineasta iraní regresa a algunos temas que ha tratado con anterioridad, y lo hace con una fuerza notoria. Para ello se sirve de la famosa obra teatral del dramaturgo Arthur Miller, Muerte de un viajante. La película de Farhadi empieza con un intenso prólogo en el que los residentes deben abandonar su edificio a toda prisa, debido a la posibilidad de que éste se derrumbe. Puro caos filmado por una cámara en constante movimiento y zarandeo, que nos muestra como último plano de la escena, un cristal resquebrajado, metáfora perfecta de lo que viene a continuación.

viernes, 3 de marzo de 2017

Crítica de "Trainspotting 2"

-Si eres fan, deja de leer y entra de cabeza en ese váter escocés. En lugar de heroína encontrarás supositorios de opio, pero la experiencia no es desagradable.

-Prepara la vena para chutarte un viajecito de nostalgia. Súbete al tren de Boyle y disfruta, la única consecuencia es la decepción.

Sí, yo también fui un adolescente que quedó fascinado por aquel chute narcótico y electrizante de cine que fue Trainspotting de Danny Boyle. Me encariñé con aquellos cínicos personajes que no elegían la vida porque nadie lo haría teniendo heroína. Con aquella cámara centelleante, aquella mezcla de humor chusco y descorazonadora tragedia, aquel imborrable repertorio de canciones con Iggy Pop a la cabeza, aquel honesto retrato del mundo de la droga sin aleccionamientos innecesarios. Durante algún tiempo, la adaptación de la novela de Irvine Welsh fue uno de mis filmes de referencia. No obstante, hace tiempo que di el salto hacia lo que la sociedad denomina “madurez”, una fase que también atravesé cinematográficamente hablando. Después de eso pude visionar esa notable obra de una forma más analítica, y desde entonces no he dejado de hacerlo, pues prácticamente no ha envejecido y sigue siendo una de las mejores películas de su temática. Ahora resulta que también han madurado, más o menos, los personajes de aquella historia. Porque Danny Boyle y el guionista John Hodge, deciden volver a traerlos a la gran pantalla tras 20 años. ¿Nos apuntamos a otra fiesta?

viernes, 24 de febrero de 2017

Los Oscar (89ª Edición)

Apenas en un parpadeo el tiempo ha pasado y volvemos a estar a unos pocos días de una de las ceremonias de premios más importantes y legendarias del planeta. Una ceremonia que une a millones de personas delante del televisor -o del ordenador- hasta unas horas inconfesables para rememorar y galardonar otro año de cine. Aunque los “Blogos de Oro” molan mucho más, me estoy refiriendo a los Oscar. Como cada año hemos dejado atrás una interminable lista de festivales (Toronto, Sitges, Berlín, Venecia, etc), galardones de Asociaciones (de críticos, actores, directores, guionistas, productores, etc), premios que son fuente de conjeturas de cara a los Oscar (“Globos de Oro”, “Bafta”, "César") e incluso nuestros apreciados Goya. Al final de la temporada de premios siempre está la carrera por los Oscar, con un aparatoso cartel de “meta”. Personalmente considero estos premios un politiqueo barato que tiene en cuenta todo menos las virtudes reales de las producciones y las personas que trabajan en ellas, pero ya desde pequeño verlos se convirtió en tradición. Y vale, también me gusta observar cual “voyeour”, como la gente de las redes sociales se enfurece criticando los vestidos de los famosos hasta niveles que demuestran nuestra necesidad de evolucionar. Ahora en serio, continúo hablando de estos premios casi centenarios otorgados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en reconocimiento de los profesionales de la industria cinematográfica.

Crítica de "Fences"

-Aunque puede ser una película fiera y conmovedora en algunos tramos, no consigue librarse del lugar que le corresponde, el teatro. El texto es puramente teatral y la puesta en escena en plana.

-Es un trabajo admirable que no está nada bien enfocado. Se siente largo y algo fatigoso, pero los intérpretes lo sacan adelante cada vez que parece perdido.

Esta es la tercera película de Denzel Washington como director. En 2002 estrenó su ópera prima, Antwone Fisher, un sólido drama en el que ya dirigió a Viola Davis. Cinco años después llegaba a carteleras The Great Debaters, otro drama de admirables ambiciones, aunque con unos cuantos peros y dudosas decisiones, con el que optó al Globo de Oro. Ahora se mete de lleno en la carrera de los Oscar con su tercer largometraje, el cual lleva intentando sacar adelante bastante tiempo. Más concretamente desde que en 2010 protagonizara junto a Viola Davis la obra homónima ganadora del premio Pulitzer y escrita por August Wilson, que intenta mudar al medio cinematográfico en esta ocasión. De aquella, ambos actores recibieron el premio Tony por sus interpretaciones, y ahora que retoman los mismos papeles, ambos optan a alzarse con el preciado Oscar. Está claro que el filme se beneficia de que Washington se conozca la obra y a su personaje de memoria, pero incluso con esa ventaja, conseguir que la obra funcione en el cambio de medio, es una tarea harto complicada.

miércoles, 22 de febrero de 2017

Crítica de "La tortuga roja"

-Una película de animación que aún cree en el extraordinario poder de las imágenes. No hay ni un diálogo, ni falta que hace.

-Posee una pureza insólita que debe ser aplaudida tras ser disfrutada; aunque casi a mitad de metraje me quedo náufrago y desconectado de la película. Una lástima.

Este año todo el mundo está muy contento con las propuestas animadas, menos un servidor. Zootrópolis y Moana me agradaron bastante sin llegar ni de lejos a la calidad de algunos títulos que han brillado en los últimos años, me decepcionó -y mucho- La fiesta de las salchichas, por último Kubo y las dos cuerdas mágicas me pareció una película irreprochable técnicamente, pero con una trama esquemática y sin el calado emocional, la madurez o la sencilla complejidad de otras obras de Laika. Me quedaban dos apuestas muy interesantes, La vida de Calabacín y La tortuga roja. De momento vengo a hablar de la segunda, que apenas se ha estrenado en unas pocas salas de nuestro país. Es la primera producción del estudio Ghibli firmada por un director occidental. Este honor recae en Michael Dudok de Wit. Un animador holandés que hasta ahora solo había estado al frente de cortometrajes. No obstante, todo su trabajo ha sido muy bien recibido y de hecho su película, Father and Daughter, obtuvo el Oscar a “Mejor cortometraje de animación”. En esta ocasión, y tras diez años de duro trabajo, nos ofrece la historia de un náufrago y su relación con la isla que lo retiene, así como las criaturas que habitan en ella. Gracias a esta historia, vuelve a entrar en la carrera de los Oscar, porque su nueva película está nominada en la categoría de “Mejor largometraje animado”. Ahora bien, ¿merece ganar?

domingo, 19 de febrero de 2017

Crítica de "El nacimiento de una nación"

-Sus intenciones sociales y cinematográficas se ven truncadas por los excesos constantes. Todo ésto lo hemos visto antes y no era tan vacuo ni inmoral.

-Hay cineastas y guionistas que nacen para ser provocadores. Hay otros que buscan la forma de serlo, aunque como el señor Nate Parker, no todos lo hacen por los motivos correctos. Ni de las formas adecuadas.

Es innegable que esta película llega en un momento inmejorable, no solo por la actual situación política y social, sino porque este es el año en el que los Oscar ven la necesidad de resarcirse con las personas de color tras dos años de vacío. En especial el polémico año pasado con aquel perspicaz “#Oscarssowhite”. Así que el actor Nate Parker decide debutar en la dirección y volver a probar suerte como guionista, junto al debutante Jean McGianni Celestin. Lo hace con un drama sobre la esclavitud basado en la historia real de Nat Turner, precursor de la lucha racial que llevaría a todo un país a la revolución que desató la Guerra de Secesión. Que el título sea The Birth of a Nation no es en absoluto casualidad, sino que se manifiesta como un grito de protesta del director frente al sangrante racismo exhibido en la famosa película de D.W. Griffith. Lo que a priori parece un intento de que el nacimiento de la nación se adhiera al nombre de Turner, a posteriori del visionado suena más a la pretensión de que se le atribuya el título a Parker en lugar de a Griffith. Sea como fuere, su frustración con aquella película es comprensible y su intención de ofrecer la otra cara de la moneda puede verse admirable. Sin embargo, su forma de hacerlo es grotesca. Por eso vengo a contaros mis motivos de irritación para con esta película de Nate Parker.

sábado, 18 de febrero de 2017

Crítica de "Jackie"

-Larraín ha creado una de las mejores películas del año. Un biopic fuera de toda norma, que le permite a Natalie Portman brindar su mejor interpretación hasta la fecha.

-Una historia sobre la propia historia y sus partículas elementales, también el valiente retrato de un personaje fascinante. Todo un triunfo.

A pocos días para la gala de los Oscar, aún faltan por aparecer algunas candidatas que se consideran citas obligadas. Entre ellas está Jackie, que se estrena este fin de semana en nuestras carteleras. Es la primera película en inglés del cineasta chileno Pablo Larraín y por desgracia también la última película del recién fallecido y ya legendario actor, John Hurt. Aunque la curiosa anécdota que genera este hecho triste, resulta muy apropiada. Pues como Jackie Kennedy, esposa de JFK y protagonista de este biopic, John Hurt también ha pasado ya a la historia, aunque -en este caso- a la del séptimo arte. No obstante, la cara principal de esta película es una casi omnipresente Natalie Portman, que se encarga de darle vida al personaje en los días posteriores al asesinato de su marido. Entre los secundarios encontramos a: Peter Sarsgaard, Billy Crudup, Greta Gerwig y John Carroll Lynch. Por último, el encargado de escribir el guion es Noah Oppenheim, que tras sus mediocres trabajos en adaptaciones juveniles (El corredor del laberinto, Divergente: Leal), da la sorpresa con un trabajo vigoroso, atrevido y con magníficos diálogos. Ahora viajemos hasta los años 60 y veamos si la sonrisa de Jacqueline seduce como antaño.

viernes, 17 de febrero de 2017

Crítica de "Cincuenta sombras más oscuras"

-Una película que une géneros, razas y religiones en un entrañable despliegue de odio sabio y justificado. Solo apta para idiotas, sádicos, cinéfagos de profesión y coprófagos diagnosticados.

-Lo mejor: El guardaespaldas interpretado por Max Martini, le llaman por el nombre mientras le enfoca la cámara y con eso iguala el dibujo del resto de personajes. Y la suicida, la menos tarada de todos.

De nuevo mis obligaciones me conducen a un lugar recóndito y peligroso para que me trague el último rollo machista, plano, materialista y para colmo aburrido del que me toca escribir. Ya tuve la desdicha de ver y “dar rienda suelta a mis groserías” sobre la primera entrega de esta serie de adaptaciones de los abortos eróticos surgidos de la podrida mente de E.L. James. En esta secuela (válidos ambos significados), la cineasta Sam Taylor-Johnson abandona -por su propio bien- la silla de dirección y es sustituida por un irreconocible James Foley (“Confidence”), quizás su gemelo malvado. El nuevo guionista se llama Niall Leonard, un mal guionista de televisión que aquí da vueltas de tuerca a su trabajo previo. Bien, las siguientes líneas serán un lugar enfocado hacia el respeto humano y la salud mental con el protagonismo de todas las agresiones textuales que se me vayan ocurriendo hasta que me canse. Entiéndase que me refiero a mi salud mental y en relación al respeto humano, bueno, probablemente mi compañero el Dr. Orloff podría explicarlo mejor. Por si acaso absténganse de seguir leyendo fans de esta chorrada o personas sensibles. Vamos allá.

domingo, 12 de febrero de 2017

Crítica de "Lego Batman: la película"

-Sí, este Batman entra de sobra en el top 5 de mejores películas del cruzado de la capa.

-Todas las piezas están unidas con solidez y mimo creando un irresistible monumento metacinematográfico al género y al héroe.

Si ha habido una sorpresa por parte del cine de animación en los últimos años, no hay duda de que fue La LEGO película. Los geniales creadores que se encargaron de montar aquel alegórico jolgorio fueron: Philip Lord, Christopher Miller y Chris McKay. Era una película brillante, fresca, auténtica y alucinante en todos los niveles de su ingeniosa construcción. Y si había un personaje que mereciera su propia aventura en solitario era aquel hilarante Batman, que se apropiaba de la función en todas y cada una de las escenas. Gracias a dios alguien se dio cuenta y ha llevado a cabo un spin-off que apetece ver, y no hace falta pensar mucho para darse cuenta de que esos escasean. Ahora bien, esta nueva propuesta a cargo de Chris McKay no busca seguir la fórmula de aquella película del 2014, sino darle una memorable y descacharrante vuelta de tuerca a los clichés del cine de superhéroes y en particular, como no, al oscuro antihéroe de cómic que tanto gusto le ha cogido a la gran pantalla. Él, el único, inimitable, talentoso, fabuloso, inteligente, atractivo, rico y genial...BATMAN.

sábado, 11 de febrero de 2017

Crítica de "Moonlight"

-No hay forma de expresar con palabras lo hondo que llega a calar esta película. Es cine que se vive y se respira, que se siente.

-Una de las películas más importantes de los últimos años.

Voy a escribir esta crítica de una forma diferente al resto. Normalmente creo que hay que dejar reposar una película, analizar con detenimiento en retrospectiva y seguir extrayendo antes de ponerse frente al teclado. Pero esta es una crítica diferente para una película diferente, especial. Estamos ante el segundo largometraje de Barry Jenkins (Medicine for Melancholy), pero nadie diría que un diamante como este, tan pulido, tan sorprendente, inesperado, demoledor y cautivador; pueda ser cosa de un cuasi-debutante. Voy a contaros con las emociones a flor de piel, porque esta es una de las joyas cinematográficas del año, puede que de los últimos años, y porque estar nominada al Oscar es un logro menor, muy por debajo de lo que va a significar para el espectador. Pero también es cierto que no deseo privaros de su visionado ni corromperlo, así que seré breve.

viernes, 10 de febrero de 2017

Crítica de "The Girl With All the Gifts"

-Tiene acción y gore para su público objetivo y no por ello rechaza múltiples lecturas sociales ni infravalora la inteligencia del espectador.

-Otra potente apuesta del género zombi que destaca por sus ideas y por el descubrimiento de Sennia Nanua.

Hace unas semanas el género zombi nos sorprendió con la excelente Train to Busan de Yeon Sang-ho. Un género tan explotado aún tenía cosas que decir aunque no fuera reinventando la fórmula. La segunda apuesta del género esta temporada nos la entrega un debutante, Colm McCarthy, cuyas ambiciones van un poco más allá en cuanto a renovación. Este escocés es conocido por dirigir fabulosos productos televisivos para la televisión británica (entre ellos uno de los mejores capítulos de Sherlock). Su ópera prima, ésta, nos sitúa en un futuro postapocalíptico en el que un virus ha asolado la tierra convirtiendo a la mayor parte su población en “hambrientos”. A priori parece el típico argumento del género, pero nos introduce una nueva raza, unos niños nacidos zombis pero con conciencia y raciocinio, una especie que resulta ser más humana que los propios humanos. El filme está basado en la novela de Mike Carey, que se encarga de adaptarse a si mismo. El reparto lo encabezan: Sennia Nanua, Paddy Considine, Gemma Arterton y Glenn Close.

jueves, 9 de febrero de 2017

Crítica de “Manchester by the Sea”

-No hay ninguna película este año que sea tan honestamente tierna, furiosa, triste y maravillosa como ésta.

-Casey Affleck ofrece la mejor interpretación de su carrera, de la que se seguirá hablando con los años.

Kenneth Lonergan debutó en la dirección en el año 2000, con un drama independiente que obtuvo unas excelentes críticas y le hizo candidato al Oscar a “Mejor guion original”; You Can Count on Me. Era una brillante tragicomedia repleta de melancolía y con magníficas actuaciones. El problema vino con su segunda película, Margaret. Hubo discusiones sobre su montaje y tardó años en poder verse una versión final que fue tan bien recibida por algunos medios como todo lo contrario. Su última película es una especie de redención en la que vuelve a sus temas relacionados con la pérdida, la familia, la culpa, el castigo y el amor. La historia trata sobre un conserje de Boston que regresa a casa al enterarse de la muerte de su hermano. La película está nominada a 6 premios Oscar.

miércoles, 8 de febrero de 2017

Crítica de "Lion"

-Es una película en dos mitades, y sólo la primera de ellas merece la pena.

-Además del trabajo de Davis durante la primera hora, la virtud principal del filme son sus dos intérpretes protagonistas, Sunny Pawar y Dev Patel.

Después de una semana ajetreada en la que el cine seguramente me echó de menos tanto como yo a él, toca acudir a las pendientes de la semana pasada. Entre ellas está una nominada a “Mejor película” en la próxima ceremonia de los Premios de la Academia; Lion. Garth Davis, que este año nos traerá su particular visión de la vida de María Magdalena, debuta en la dirección cinematográfica con esta historia basada en hechos reales sobre Saroo Brierley. Un niño de cinco años que se perdió en las calles de Calcuta, a miles de kilómetros de casa, y que tras un largo y peligroso viaje acabó siendo adoptado por una pareja australiana. Este tramo de la historia se corresponde con la primera parte de las dos en las que se divide la cinta. La segunda hora transcurre veinticinco años después, y nos cuenta como, con la única ayuda de Google Earth, Saroo intentó encontrar a su familia biológica. La historia proviene de la novela autobiográfica de propio Saroo y está adaptada por el guionista Luke Davies (Life). El personaje protagonista está interpretado durante a primera hora por el joven descubrimiento, Sunny Pawar, y durante la segunda lo encarna Dev Patel. El resto del reparto lo conforman -entre otros-: Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham, Nawazuddin Siddiqui y Tannishtha Chatterjee. Veamos si esta nominada merece estarlo y si tiene alguna posibilidad de alzarse con un par de ídolos dorados.

lunes, 6 de febrero de 2017

Crítica de "Resident Evil: Capítulo Final"

-Puede que sea la más aberrante de todas, necesitaría un medidor especial para comparar el martirio y la indolencia que me provoca esta saga.

-Si te estás preguntando porque mi primera frase sobre esta película es negativa, eres una persona con la que no me interesa hablar; ojalá pudiera quitar tu visita de las estadísticas.

Intentaré ser muy breve en mis comentarios sobre este contenido supuestamente audiovisual del cual vengo a blasfemar. Me he dado cuenta de que la vida de un cinéfilo puede ser muy corta según lo que visiona y esta saga me ha estado chupando mi energía vital desde que surgiera en 2002. Pero también informo a cualquiera que se haya adentrado en este articulo, que cuando una película me lleva hasta la arcada o me cabrea especialmente, tiendo a ponerme irascible mientras escribo sobre ella y me alargo con un sinfín de improperios más o menos lúcidos, apreciación que dejo a su virtud. Soy un jugador habitual de videojuegos, y me encantaba la saga de Capcom hasta que los Resident Evil empezaron a ser juegos de acción dejando muy atrás aquello del “survival horror”. No he jugado a la última entrega que ha salido recientemente, tenía serias dudas acerca de su derecho a pertenecer a la saga, pero le echaré un vistazo, pues la última entrega de la “adaptación” cinematográfica, a cargo de Paul W.S. Anderson, me ha recordado que todo puede ser peor.

lunes, 30 de enero de 2017

Crítica de "Múltiple"

-Es una película que te mantiene en alerta permanente, que se pasa en un aterrador y divertido suspiro. Es una grata sorpresa a la que sigue un auténtico sorpresón.

-Lo mejor que Shyamalan ha hecho en más de una década. Pletórico James McAvoy.

No hace falta que diga de nuevo que M. Night Shyamalan era uno de mis directores favoritos entre los años 90 y la primera mitad de la década del 2000. Tampoco que The Village me parece su obra maestra, una película fascinante, infravalorada y muy cercana a la perfección. El resumen de lo que aconteció después es que las decisiones del director (o de su ego) se hicieron desafortunadas al mismo tiempo que su capacidad para cautivarnos iba desapareciendo. Aunque con The Visit parecía volver al buen camino a pasos cortos, seguros y efectivos; sería su siguiente película la que decidiría si aún había esperanzas. Pues bien, vuelve con un thriller claustrofóbico de secuestros, o con un drama psicológico, o puede que una cinta de terror, o tal vez regrese con un nuevo puzle inesperado; nada está muy claro cuando hablamos de Shyamalan. Lo único seguro es que James McAvoy se deja la piel para interpretar, con flexibilidad y energía, un buen puñado de personajes de las 23 personalidades que viven dentro de Kevin, el co-protagonista de esta historia. El resto del protagonismo va para Anya Taylor Joy, ese pedazo de joven actriz que Robert Eggers nos descubrió en The Witch. Ellos son las dos caras de la moneda y Shyamalan el encargado de jugar con ella hasta que nos demos cuenta de que, sorpresa, estaba trucada.

sábado, 28 de enero de 2017

Crítica de "Live By Night"

-Quítense de la cabeza lo malo que hayan leído de esta película, Ben Affleck ha vuelto con algo que muchos echábamos de menos.

-Un torrente de cine rodado con mimo y narrado con talento. Pese a sus imperfecciones, hay mucho que reivindicar aquí.

Ben Affleck, ese actor eternamente odiado y criticado. No siempre justamente, todo sea dicho. También un guionista con recursos y finalmente un director con tanto talento como futuro. Esta es su cuarta película desde que empezara a dirigir allá por 2007, y su debut fue precisamente otra adaptación de Dennis Lehane, Gone Baby Gone. No hay muchas óperas primas tan fascinantes y sorprendentes. La siguieron The Town y Argo; esta última ganaría el Oscar a “Mejor película” en 2012. Ahora Affleck estrena Live By Night; con ella nos lleva de vuelta a la ley seca, a la época de los gángsters y el crimen organizado. Y como buen amante del cine negro, de la mafia, los coches de época, la música, el vestuario y todo lo que rodea a esos caóticos años; estoy muy contento de poder volver a saborear el whisky de contrabando que se respira en el ambiente, mezclado con el humo candente que expulsa un subfusil thompson tras su escandaloso uso. Pero al lío, Affleck además de dirigir y adaptar la novela de Lehane, protagoniza la película secundado por un impresionante reparto de secundarios entre los que encontramos a: Sienna Miller, Zoe Saldana, Elle Fanning, Chris Cooper, Brendan Gleeson, Remo Girone, Robert Glenister y Chris Messina. Veamos si el neo-noir regresa con la fuerza adecuada.

viernes, 27 de enero de 2017

Crítica de "Loving"

-Drama sutil, mesurado, narrado con brillantez y que conmueve sin trucos. Otro trabajo soberbio de Nichols.

-Su sencillez se confundirá con superficialidad, su serenidad con frialdad o falta de garra. Una pena, porque es una película llena de emoción contenida y de verdad.

Esta es la quinta película de Jeff Nichols, el cineasta -y guionista- tiene 38 años y su ópera prima, Shotgun Stories, se estrenó hace 10 años, en 2007. En ese tiempo Nichols se ha convertido en uno de los directores más interesantes del cine actual. Llamó la atención con la aterradora Take Shelter, que entró en mi lista de mejores películas de ese año. Después nos trajo el maravilloso drama rural en el que brillaron Matthew McConaughey y Tye Sheridan, Mud, una película que me gusta más cada vez que la veo. Y en 2016 también estrenó Midnight Special, que fue maltratada en nuestro país con un torpe estreno en VOD. De ella hay que decir que es una película especial, que Nichols no traiciona los temas, ambientes e historias que le interesan y que a pesar de la irregularidad de ciertos tramos, es una obra bien reivindicable. Su nueva película era una probable nominada al Oscar que se ha quedado prácticamente fuera de la gala salvo por la interpretación de su protagonista femenina, Ruth Negga. Junto a ella y Joel Edgerton, encontramos a un sólido plantel de secundarios: Michael Shannon, Marton Csokas, Nick Kroll, Jon Bass y Bill Camp. Veamos si tras una obra menor, Nichols vuelve al nivel acostumbrado.

miércoles, 25 de enero de 2017

Crítica de “Figuras ocultas”

-Un complaciente drama de superación que a pesar de su poderoso aliado, el subrayado, trivializa todo lo atractivo de la propuesta. Es como el café que toman los pequeños, todo leche y azúcar.

-Entretenida y académica propuesta que funciona gracias a su carismático reparto y a su estructura funcional.

Seguro que algunos os lo pasasteis genial con la anterior película del director Theodore Melfi. Hablo de la irregular pero entrañablemente divertida St. Vincent, protagonizada por Bill Murray. No es que fuera nada nuevo ni extraordinario, pero el reparto lo hacía funcionar muy por encima de sus debilidades. Algo parecido ocurre con el nuevo trabajo del director, que acaba de ser nominado a los Oscar en las categorías de: “Mejor película”, “Mejor guion adaptado” y “Mejor actriz de reparto”. En esta ocasión el reparto es también lo que hace funcionar bien a la película, pero no es suficiente. Hidden Figures se deja llevar por sus buenas intenciones y se convierte en una simplificada y condescendiente comedia tan rebosante de fórmula como carente de sustancia. Vamos a hablar un poco de la película menos merecedora de las recientes nominaciones.

sábado, 21 de enero de 2017

Crítica de "Toni Erdmann"

-Una de las mejores comedias dramáticas del año. Tan profundamente divertida y amarga que no sabes bien porque estás llorando.

-Es tan ridícula y al mismo tiempo tan honesta sobre sus emociones que resulta inclasificable. Ade esquiva las convenciones con ingenio y sin trucos. Y “violà”, ahí está, una pequeña gran película.

Me gustan los trabajos de Maren Ade, más su último trabajo, Entre nosotros, que su ópera prima. Esta es su tercera película y tiene mucho sentido dentro de su filmografía. Lo que la diferencia, es que en esta ocasión todo el mundo parece haber caído rendido ante su Toni Erdmann, y no seré yo el que diga que no hay razón alguna. Sin duda su nueva película es especial, diferente y genuina; pero no todo es de color de rosa, y hay evidentes problemas en la propuesta. Sea como fuere y aunque mis pegas difuminen el mensaje, lo que quiero decir es: Vayan ahora mismo a ver Toni Erdmann.

lunes, 16 de enero de 2017

Crítica de "La La Land"

-Enérgica, colorida, nostálgica y tan simplona como el confeti. Stone y Gosling están soberbios.

-Chazelle usa todo su talento para convertir la típica historia de amor en un cuento inolvidable, mientras suena la música no hay problema, pero luego le cuesta aguantar un análisis.

Al fin se ha estrenado en nuestro país, la película más elogiada del 2016. El regreso del musical romántico a la gran pantalla, con las caras de dos actores de la talla de Emma Stone y Ryan Gosling, bajo la batuta del prometedor Damien Chazelle, que también escribe el guion. El filme ya ha pasado a la historia por ganar más Globos de Oro (7 de 7) que nadie y va de camino de arrasar en los BAFTA y en la futura ceremonia de los Oscar que se celebra el 26 de Febrero. La crítica y el público creen que es lo mejor que han visto en años, la gente sale de la sala y graba sus vídeos cantando para subirlos a las redes sociales y todo el mundo se descarga la banda sonora de Justin Hurwitz. Yo vengo a hacer el papel de villano, creo que La La Land está sobrevalorada.

domingo, 15 de enero de 2017

Crítica de "Querida Gina"

-Aunque imperfecto, este es uno de los viajes más interesantes que he vivido este año.

-El academicismo formal es un arma de doble filo, pero la historia y su autenticidad hacen imposible resistirse. Es un experimento valiente y conmovedor, con mucho que decir.

Puede que os estéis preguntando la razón de que lleve a cabo esta crítica, no es un estreno de esta semana y rompe claramente con mi forma de trabajar. He tenido el placer de visionar Querida Gina gracias a un colega que, digámoslo así, me ha colocado directamente en la butaca. Y digo que he tenido el placer porque el motivo por el cual estoy escribiendo las siguientes líneas en este momento, es que esta película merece ser recomendada. La historia está protagonizada por Juan y Serafín, dos octogenarios gallegos que acompañados de su joven amigo galés, Tim, emprenderán un viaje hasta Roma para cumplir su sueño de juventud: conocer a Gina Lollobrigida, la diva de la que se enamoraron cuando compartieron pantalla con ella en Solomon and Sheba, la famosa película de King Vidor.

sábado, 14 de enero de 2017

Crítica de "La autopsia de Jane Doe"

-Una de esas pequeñas joyas que continúan demostrando que este género no necesita renacer, sigue muy vivo.

-Øvredal saca el máximo partido a todos los elementos que componen esta modesta apuesta del género. Magnífico tramo inicial.

Puede que muchos no sepáis -aún- quien es André Øvredal, pero este cineasta noruego nos sorprendió a unos cuantos con la estupenda Troll Hunter, que resultó ser uno de los mejores trabajos que nos hemos topado en el desgastado “found footage” reciente. Pues ahora el director quiere demostrar que también puede con el terror, y ofrecer una de las apuestas más interesantes que el género ha brindado en 2016. Øvredal no pretende inventar la rueda con esta The Autopsy of Jane Doe, solo pretende coger los elementos del género y hacerlos funcionar por encima de la media; y de paso dejar alguna que otra idea interesante en el desarrollo. Una localización, un par de actores (Emile Hirsch, Brian Cox, Olwen Kelly) y mucho talento al servicio de una de las atmósferas más escalofriantes de la temporada. Como dijo el anatomopatólogo, vamos por partes.

martes, 10 de enero de 2017

Crítica de "The Rocky Horror Picture Show" (2016)

-Probablemente uno de los remakes mas innecesarios de la historia del cine.

A esos individuos que no hayan visto The Rocky Horror Picture Show (¿en qué mundo viven?), voy a ilustrarles. Es un musical de Richard O'Brien que fue llevado magistralmente al cine por Jim Sharman hace ya cuarenta años, aunque podríamos decir que se adaptó el año pasado porque por la cinta de Sharman no pasa el tiempo. La película es un divertidísimo compendio de terror, música, cachondeo y sexo; todo ello en un envoltorio que homenajea las fantásticas películas de serie B que la RKO (Radio-Keith-Orpheum) produjo en la década de los 50. Cuenta la historia de Brad y Janet, una joven pareja que una noche de tormenta se ve obligada a refugiarse en el terrorífico castillo del Dr. Frank-N-Furter, un travesti divertido y cantarín que, junto a sus secuaces, crea atractivos hombres con los que pasar el rato. Fijaos si es tal mi devoción por esta película, que no me he tenido que acudir a ninguna fuente para buscar el nombre de los personajes, me los sé de memoria. Fijaos si es tal mi devoción, que me veo en la obligación de escupirle sobre este deleznable e innecesario remake que vengo a analizar.

lunes, 9 de enero de 2017

Crítica de "Mimosas"

-Una película que se desploma sobre su fotografía y en la elección, no siempre afortunada, de unos exteriores desaprovechados de mala manera.

Mimosas arranca con mucha fuerza, un inicio muy prometedor que nos lleva a través de verdes llanuras junto a misteriosos jinetes envueltos en túnicas y el contraste del rojo y árido desierto plagado por una estampida de destartalados Mercedes que lo surcan levantando una polvareda mágica y regalándonos el mejor plano de la película.

A partir de ahí todo va cuesta abajo. Pero como decía aquel tío malo de True Detective, vamos por partes.

Tenía muchas ganas de ver Mimosas. Oliver Laxe es un director que prometía mucho. Todos vos sodes capitáns fue un experimento fílmico que bailaba entre la ficción y el documental, y que sorprendió a propios y extraños (junto a un servidor) hace ya seis años. Pero va a ser que no. Laxe la ha cagado.

domingo, 8 de enero de 2017

Crítica de "Solo el fin del mundo"

-Hasta ahora la excentricidad de Dolan había divido al público, pero esta película apenas puede agradar a los fanáticos sin criterio. Parece hecha por un chaval de secundaria con excesivas aspiraciones y no demasiados talentos.

-Una película artificiosa, sofocante y exacerbada; la ingenuidad se apodera de ti esperando que en algún momento llegue alguna recompensa.

A pesar de tener 27 años, Xavier Dolan es uno de los cineastas mejor considerados del cine actual. Los premios, los excesivos elogios de la crítica o el estatus de culto que ha ido adquiriendo su cine junto a la arrogancia que ha ido desarrollando él. Ahora regresa con su película más ambiciosa, y como siempre hasta el momento, retrata un núcleo familiar frente a unas circunstancias inesperadas. En esta ocasión adapta la obra de teatro homónima de Jean-Luc Lagarce, Juste la fin du monde. Es su segunda adaptación teatral tras Tom à la ferme. El reparto coral lo componen: Gaspard Ulliel , Léa Seydoux, Nathalie Baye, Vincent Cassel y Marion Cotillard. Con esta película Dolan parece querer ser más Tennessee Williams que nunca, algo en lo que fracasa estrepitosamente.

sábado, 7 de enero de 2017

Crítica de "Silencio"

-Larga, compleja, desmesurada, polémica y atrevida. No importa cual sea tu fe, esta es una extraordinaria película humana.

-Deja que lo nuevo de Scorsese te agarre, te zarandee, te sacuda y te destroce en cuerpo y alma. Al final del viaje, creerás.

Martin Scorsese iba a ser sacerdote, y probablemente fuera a ser uno de los buenos; pero el mundo, en especial el cine, hubiera perdido demasiado. A cambio, su cine siempre ha prestado atención a los aspectos religiosos, en especial a través de sus personajes atormentados por la culpabilidad y en busca de redención. En dos ocasiones lo hizo más en primer plano, con la muy polémica The Last Temptation of Christ y la muy plana, Kundun. Su nueva película cierra esa especie de trilogía sobre la religión y Martin ha hecho todo lo posible para estrenarla antes que cualquier otra. Es curioso, pues Silence nos llega justo después de The Wolf of Wall Street, y ambas son totalmente antitéticas. El desfase y la locura de la segunda frente a la introspección y la calma (lacerante, eso sí) de su nueva propuesta. Sin duda este es uno de los trabajos más personales del director, y por ello ha co-escrito el guion (algo que no hacía desde Casino) junto a Jay Cocks (Gangs of New York). Mi siguiente tarea es complicada, poner en palabras las cualidades de una de las mejores obras de una filmografía maravillosa.

jueves, 5 de enero de 2017

Crítica de "Train to Busan"

-La mejor película de zombis en décadas. Tremendamente espectacular, claustrofóbica, con pulso narrativo y múltiples lecturas sociales.

-Yeon nos ofrece una película de zombis veloz y directa a las entrañas, su trabajo tras las cámaras es brillante.

Tenemos la obligación de reivindicar el cine surcoreano, que lleva unos años en pleno auge y en nuestro país aún pasa desapercibido. Actualmente Corea del Sur es uno de los lugares donde se crea el cine más fresco, y parece que este año cierto público va dándose cuenta con la llegada de películas como Goksung de Na Hong-jin (El extraño en nuestro país) o The Handmaiden de Park Chan-wook. Otro de esos directores surcoreanos en los que algunos hemos fijado nuestra atenta mirada, es Yeon Sang-ho. Este cineasta se dio a conocer para una gran mayoría en 2013, gracias a un salvaje thriller dramático titulado The Fake, que fue nominado a “mejor película de animación” en los festivales de Sitges y Gijón. El año pasado despuntó con otra película de animación, una de zombis cruda y con trasfondo, Seoul Station. No obstante, ahora que se ha estrenado Train to Busan, esa última cinta de animación se revela como una introducción o más bien un preámbulo irrenunciable para el mejor visionado posible de su nueva película. Sí, hablo de la mejor película de zombis puede que desde los buenos tiempos de George A. Romero.

lunes, 2 de enero de 2017

Crítica de "Passengers"

-Seductora, inquietante y fascinante en su planteamiento, luego todo se vuelve tan convencional como absurdo, y va empeorando.

-Tyldum y Spaihts no tienen las agallas o la pericia suficiente para llevar el filme a lugares inexplorados y se conforman con una simplista historia de amor apoyada en dos carismáticos intérpretes.

La mayoría de espectadores conocen al director, Morten Tyldum, por la multipremiada The Imitation Game, protagonizada por Benedict Cumberbatch y Keira Knightley. Lo que más me impresionó de ella fue cierto juego moral que exhibía según en qué escenas. Era algo que también ocurría en Headhunters, una película bastante más sólida e interesante. En esta ocasión las cuestiones morales se van al espacio, a una maravillosa nave llamada Avalon. En su interior, 5000 personas que viajan a un nuevo planeta para empezar una nueva vida, como consecuencia de la sobrepoblación terrícola. De todos esos viajeros durmientes, los que nos interesan son Jim (Pratt) y Aurora (Lawrence), protagonistas totales de esta historia con guion de Jon Spaihts (Dr. Strange). Ahora entremos en esa nave, veamos si este viaje merece la pena o si la entrada ha salido demasiado cara.