sábado, 31 de diciembre de 2016

Crítica de "Frantz"

-Sutil melodrama clásico y hermoso retrato antibelicista. Ozon hace fácil lo difícil, su película es elegante y bella, también dolorosa y ambigua.

-Los dos intérpretes están maravillosos y el filme posee una admirable sensibilidad.

François Ozon regresa para añadir a su filmografía una pieza tan diferente a lo anterior, como irremediablemente reconocible. Frantz es más o menos una adaptación libre de The Broken Lullaby de Ernst Lubitsch (con el título Remordimiento en nuestro país). Sin embargo, aunque respeta diálogos y escenas, Ozon se sale del esquema, estando más interesado en otros temas y puntos de vista de la historia de ese soldado francés. No quiero que la verborrea protagonice mi última crítica del año, así que entro directamente a expresar mis impresiones sobre la nueva obra del cineasta parisino.

sábado, 24 de diciembre de 2016

Crítica de "Assassin's Creed"

-Un desastre inconsistente, verborreico, tan serio y estirado que da miedo hasta moverse en la butaca. No hay por donde salvarlo.

-Es una mala historia fundacional, una incorrecta adaptación, un erróneo blockbuster, atroz cine de autor y una pésima película. Dos horas intentando ver a través del humo para darme cuenta de que no hay nada detrás.

Sí, definitivamente las adaptaciones de videojuegos están gafadas. Aposté porque Duncan Jones sacaría adelante Warcraft, perdí, porque lamentablemente todo era hueca y farragosa parafernalia pirotécnica sin vida. Sin embargo mis últimas esperanzas residían en el dúo Kurzel-Fassbender, dos señores que me alegraron el año pasado con una de las mejores películas del mismo. El Macbeth de Kurzel fue el más sombrío, psicológico, violentamente estilizado y humano de cuantos han pasado por la pantalla. Era una adaptación revitalizada, enérgica, visualmente brutal, con atmósfera y alma. Parecía que si alguien podía sacar adelante la adaptación de Assassin's Creed era él, con ayuda de Fassbender, que además de protagonizar la propuesta junto a Marion Cotillard, se convirtió en un comprometido productor. Para acompañar al dúo protagonista tenemos un impresionante elenco de secundarios, entre los que se encuentran: Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Michael Kenneth Williams, Charlotte Rampling, Carlos Bardem, Hovik Keuchkerian y Javier Gutierrez. Pues bien, voy a contaros por qué esta adaptación de un videojuego es, como todas hasta ahora, una catástrofe.

lunes, 19 de diciembre de 2016

Crítica de "Operación Anthropoid"

-Película tan hueca como taciturna y aburrida. En el desastre solo se salvan los intérpretes.

-Mal escrita y dirigida, esta es una película que falla ya en las decisiones más preliminares.

Sean Ellis fue más que elogiado por aquel turbulento drama, “Metro Manila”, sin embargo ahora se mete en un asunto peliagudo al intentar narrar los hechos sobre el atentado contra el líder nazi Reinhard Heidrich, General de las SS. Fue en 1943 cuando Fritz Lang hiciera lo mismo en su película “Los verdugos también mueren”. Desde luego Ellis tiene más recursos de los que tenía el legendario director, aunque el talento, el compromiso y otros factores, podrían quedar deslucidos en la comparación. En primer lugar no tenemos a Bertolt Brecht como guionista, sino que el libreto corre a cargo de Anthony Frewin, novelista y asistente personal de Stanley Kubrick; que co-escribe junto al propio Ellis. El reparto lo co-protagonizan Cillian Murphy y Jamie Dornan, mientras que entre los secundarios encontramos a: Charlotte Le Bon, Toby Jones, Harry Lloyd y Bill Milner. Aunque lo de superar a Lang sea tarea hercúlea, es interesante observar si Ellis logra narrarnos esta interesante historia con la fuerza y los matices necesarios.

domingo, 18 de diciembre de 2016

Crítica de "Infiltrado"

-Otra película más sobre narcotraficantes que no tiene nada nuevo ni interesante que contar o mostrar. Tiene energía, pero ni esa parece propia.

-Este pastiche de Furman se ve bien, entretiene gracias a una vibrante interpretación de Bryan Cranston.

Tras entregar un fracaso como “Runner Runner”, que al menos dejaba otra prueba más de que Ben Affleck sabe actuar, Brad Furman repite en el thriller pero en un contexto diferente y que está muy de moda ahora mismo, el narcotráfico. Después de que Netflix rompiera moldes con su serie, “Narcos”, y ahora que ha conseguido crear toda esa beneficiosa polémica con el anuncio gigantesco de “Blanca Navidad”, todo el mundo está deseando hacer películas sobre drogas, en especial si como es el caso, están relacionadas con Escobar y basadas en hechos reales. Para ello, la madre de Furman y ahora guionista debutante, Ellen Brown Furman, adapta la novela autobiográfica de Robert Mazur, un policía estadounidense que se infiltró como blanqueador para los narcotraficantes colombianos. Para ponerse en su piel está Bryan Cranston, le siguen -entre otros-: John Leguizamo, Diane Kruger, Joseph Gilgun, Benjamin Bratt y Rubén Ochandiano. Veamos si merece la pena este llamativo estreno.

viernes, 16 de diciembre de 2016

Crítica de “Rogue One”

-Los fans agradecerán los nuevos planetas, personajes, especies y naves; también los reencuentros y descubrir un filme más áspero y grisáceo. Finalmente este es un digno añadido al canon warsie.

-Un guion con sustancia y un impresionante reparto le dan vida a la propuesta. El trabajo de Edwards es competente, demasiado respetuoso, pero despunta en la última media hora.

Después de un año entero de espera, al fin podemos ver Rogue One, un spin-off/precuela/secuela que arrastraba polémica por muchas razones. Antes de nada, por si queréis dejar de leer ahora mismo, no me gustó The Force Awakens, me encantó. Sí, su estructura era calcada al origen de la saga, pero eso no impidió que presentara a nuevos personajes, abriera caminos novedosos, planteara dudas fascinantes y nos reencontrara con los mejores momentos y personajes de nuestra infancia. La energía cinematográfica que Abrams imprimió en ese episodio era totalmente auténtica y arrolladora, y volver al Halcón Milenario era algo que no estaba ni siquiera al alcance de los mejores sueños. Dicho ésto, voy a empezar a comentar la cinta que nos atañe en esta ocasión. El guion de la película corre a cargo de Chris Weitz (Cinderella) y Tony Gilroy (Bourne Ultimatum). El reparto lo componen un abultado número de grandes intérpretes, no obstante el protagonismo va para Felicity Jones y Diego Luna; en la cola les siguen -entre otros-: Ben Mendelsohn, Donnie Yen, Jiang Wen, Mads Mikkelsen, Forest Whitaker, Alan Tudyk y Riz Ahmed. Por último, a los mandos de la nave está Gareth Edwards, un señor que para muchos ha renovado la ciencia ficción y el género Kaiju-eiga con sus respectivas Monsters y Godzilla. Personalmente casi me duermo en ambas películas, aunque los 15 minutos finales de ambas me parecen magníficos. Ahora llega el momento de la verdad, de saber si el cineasta es capaz de hacer una película sólida, con personajes definidos y una narración atractiva; pero también algo más, pues cuando se trata de Star Wars, tu película debe ser mágica.

miércoles, 14 de diciembre de 2016

Crítica de "Animales Nocturnos"

-Entre una fascinante complejidad y las pretensiones pueriles de un señor polémico, sí, pero también rebosante de talento en bruto.

-Los apartados se complementan mucho mejor que en su debut, Ford esconde mejor sus vicios y presta mayor atención al terreno narrativo.

Atrapado, inquieto y revuelto ya desde unos portentosos créditos iniciales, así estoy nada más empieza la segunda película de Tom Ford como director de cine. Y si bien su ópera prima, A Single Man, fue bastante exitosa, a un servidor le resultó tan llamativa en el exterior (extraordinaria delimitación de encuadres) como inane en el interior. Esa melancolía impostada, ese nulo control del tempo dramático y en general toda la petulancia y artificiosidad al servicio de la nada, o bueno, de los vestuarios, los peinados de época y la aparición constante de los modelos del señor Ford. Lo único que era auténtico era Colin Firth, desnudo emocionalmente en su brillante -y británica- contención. Pero bueno, aunque la primera vez no fuera excelente, dejaba entrever muchas virtudes de buen cineasta. En esta ocasión el tejano adapta la novela, Tony and Susan, de Austin Wright; mitad melodrama psicológico, mitad thriller rural. El más que potente reparto lo encabezan Amy Adams y Jake Gyllenhaal, dos de los mejores actores del momento, en la retaguardia encontramos a: Michael Shannon, Aaron Taylor-Johnson, Armie Hammer e Isla Fisher -entre otros-. Veamos si el segundo intento tiene más cine y menos postureo.

viernes, 9 de diciembre de 2016

Crítica de "Hacksaw Ridge"

-Gibson continúa filmando su propia expiación en la piel de otros personajes. Su garra y su nervio siguen intactos, pero con eso no se gana una guerra.

-El drama academicista, el tributo simplista y el belicismo llameante conviven en una película que casi todo lo que tiene de espectacular, lo tiene también de tosca, trivial e inconsistente.

Gibson ha vuelto, si no habíais leído nada parecido estáis algo perdidos últimamente en lo que a cine se refiere. El eterno salvaje incorregible tras renacer como tal en Blood Father, ha regresado tras las cámaras para contarnos la odisea de un soldado diferente, cuya única arma eran sus creencias y su inmenso valor. El personaje es Desmond Doss, un joven médico militar adventista que participó desarmado en la Batalla de Okinawa, en la II Guerra Mundial, y salvó 75 vidas. La película hace referencia constante a ese “milagro”, porque incluso siendo esta una historia real, parece una ficción en toda regla. El guion lo firman Robert Schenkkan (The Pacific), Randall Wallace (Pearl Harbor) y Andrew Knight (The Water Diviner), y en el reparto encabezado por Andrew Garfield, encontramos también -entre otros- a: Vince Vaughn, Hugo Weaving, Teresa Palmer y Sam Worthington. Veamos si Gibson se reintegra a filas con suficiente artillería o si debió quedarse beodo en la moqueta.

jueves, 8 de diciembre de 2016

Crítica de “Paterson”

-Jarmusch más Jarmusch que nunca, Paterson es una delicia.

-No solo es un pequeño milagro, es una oportunidad para atisbar esas pequeñas cosas que importan todo. La cámara no existe, solo el ojo.

Al mismo tiempo que algunas afortunadas carteleras tienen en su haber Gimme Danger, el tributo documental que Jarmusch le ha hecho a The Stooges, el cineasta también estrena en nuestro país su nueva y muy elogiada película, Paterson. El tiempo no me ha permitido visionar la propuesta documental así que no podía fallar dos veces en un intervalo tan reducido. He apagado mi móvil, apartado los trabajos y corrido libremente hacia el cine para entrar directamente a la sala, ajeno a cualquier preocupación del exterior, dispuesto a quedar cautivado con lo que el director ohionés quería mostrarme. Con esta nueva película Jarmusch se encuentra cara a cara con uno de sus grandes amores, la poesía.

lunes, 28 de noviembre de 2016

Crítica de “The Neon Demon”

-Un tenebroso y colorido cuento de hadas carnívoras en medio de las salvajes junglas/pasarelas de Los Ángeles. Se me olvidaba, también insoportable.

-Winding Refn sigue intentando ser el director más “chic” de la discoteca. El ego y el daltonismo le van a ayudar a ligar y todo.

El cineasta danés que supo llamar la atención con algunos de sus primeros trabajos y que tanta suerte tuvo con la brillante Drive me hizo pasar uno de los ratos más insufribles que he vivido en una sala de cine. Only God Forgives era un portento visual tan vacío y estúpido que casi me voy de retiro espiritual al Tibet o llevo a cabo algún cliché semejante para cambiar mi vida. Pensé que los libros de autoayuda no serían suficiente, claro está. Pero bueno, su nueva película en apariencia se debatía entre ser un despropósito y un proyecto digno de Bret Easton Ellis (American Psycho). Habría que verla para saber hacia que lado se decantaba. Para esta falsa historia sobre el mundo de la moda (Refn ya dijo que no le interesaba nada) el director y guionista escoge a Elle Fanning de protagonista. A la joven y talentosa actriz la secunda un reparto muy atractivo: Jena Malone, Keanu Reeves, Christina Hendricks, Bella Heathcote, Abbey Lee y Karl Glusman. Entonces qué...¿memez o nueva corriente cinematográfica?

domingo, 27 de noviembre de 2016

Crítica de "Aliados"

-Zemeckis entrega un nostálgico y elegante cóctel de géneros. Sin embargo es también una película endeble, carente de intensidad, destello y sustancia.

-Ni el guion ni el reparto están a la altura de las circunstancias. Es como ir a la guerra con munición de fogueo.

Tras maravillarme con el 90% del metraje de Flight y con los quince minutos finales de la más que decepcionante The Walk; Robert Zemeckis vuelve con una apuesta bastante arriesgada. Está claro que en el último siglo ha sido uno de los directores que más se han preocupado por fusionar buenas historias con los avances tecnológicos que permitan contarlas de maneras más creíbles, profundas y sorprendentes (el resultado es otro cantar). Por eso esta melancólica vuelta atrás, hacia el Hollywood clásico, resulta tan inesperada como, insisto, arriesgada. Inesperada por lo apuntado, arriesgada porque el público del siglo XXI no parece estar preparado para recibir con los brazos abiertos el regreso de los melodramas clásicos. Ni siquiera si en la mezcla está el thriller de espionaje, el cine bélico y las atractivas caras de Pitt y Cotillard. Por otro lado el guion lo firma un señor con mucho talento, Steven Knight (Promesas del Este, Locke). Dicho ésto, los que -en cuanto a cine- seguimos esa filosofía de “cualquier tiempo pasado fue mejor”, estábamos deseosos de que Zemeckis consiguiera devolvernos el glamour, la intriga y la pasión de los tiempos de Bergman y Bogart.

sábado, 26 de noviembre de 2016

Crítica de "Deepwater Horizon" (Marea Negra)

-Berg logra incrustar la llameante asfixia en el espectador, pero la falta de contenido convierte la propuesta en una película más de catástrofes. El aburrimiento se apodera de mí.

-A pesar de ser dramáticamente nula, el reparto hace un gran trabajo dándole humanidad a sus personajes. Estupendo Kurt Russell.

Voy a ser claro, en general me aburre el cine de catástrofes. Más concretamente la situación actual del género, que es una fuente inagotable de explosiones donde predomina la absurdez, la superficialidad, la inanidad y -a menudo- el sentimentalismo de telefilme. Cuadra que tampoco me gusta Peter Berg, pues en lo que a cine se refiere prácticamente solo le acepto “Hancock”. Y seamos sinceros, sus dos últimas películas (“Battleship”, “Lone Survivor”) son horribles, deplorables. Aunque siempre ha tenido cierta habilidad para recrear el infierno en la tierra a base de gruesos brochazos, así que esta historia podía funcionar bien en sus manos. De todos modos el punto que llama la atención es ni más ni menos que un reparto en el que, si bien la cara de cartel es la de Mark Wahlberg, interesa más el resto de actores de protagonismo coral que lo integran. Entre ellos: Kurt Russell, Kate Hudson, John Malkovich, Dylan O'Brien, Gina Rodriguez, Ethan Suplee y Brad Leland. Veamos si Peter Berg se apunta un tanto a favor o si con la ironía como enemiga, su película es una catástrofe.

lunes, 21 de noviembre de 2016

Crítica de "Animales fantásticos y dónde encontrarlos"

-La ilusión, el sentido del descubrimiento y la magia se han esfumado. Este spin-off prefiere mostrar sus excelentes efectos especiales que contar una historia interesante y atractiva.

-La finísima presentación de tramas políticas y el carisma de los actores para conseguir que me caigan bien sus personajes son las virtudes de esta producción. La secuela debe mejorar mucho.

No me pondré a explicar lo que significó la saga multimillonaria del niño mago tanto en el cine como en la literatura. Pero Warner Bros y J.K. Rowling en algún momento querrían sacarle más jugo al universo de Harry Potter. Y realmente el universo dio miles de posibilidades para regresar modificando ciertos elementos. Así que la señorita Rowling se ha convertido en guionista para lo que será una pentalogía de “precuelas”. David Yates vuelve a los mandos en este inicio tras dirigir la mitad de las entregas de “Harry Potter”. El director de fotografía elegido es Philippe Rousselot (“Big Fish”, “Sherlock Holmes: Juego de sombras”) y en la partitura musical ni Alexandre Desplat ni Danny Elman, en su lugar tenemos a James Newton Howard (“Defiance”). Warner no ha reparado en gastos y nos trae un reparto coral en el que encontramos a: Eddie Redmayne, Katherine Waterston, Dan Fogler, Alison Sudol, Colin Farrell, Samantha Morton, Ezra Miller y Jon Voight -entre otros-. Veamos ahora como desembarca esta nueva aventura.

domingo, 20 de noviembre de 2016

Crítica de "Un traidor como los nuestros"

-Una adaptación insustancial y fea de una novela menor de John le Carré. Es lo suficiente entretenida para verla en la sobremesa del domingo y no olvidarla hasta la cena.

-La razón de quedarse en la sala es el reparto. Stellan Skarsgård y Damian Lewis le insuflan vida a la propuesta.

Una adaptación de John le Carré siempre es un buen motivo para dejarse caer por el cine. Incluso sus obras empiezan a llegar a la televisión como ha hecho recientemente The Night Manager (El infiltrado en nuestro país). Pero yendo a lo fácil, digamos que hay dos tipos de adaptaciones de John le Carré, las imponentes y las menores. Si nos limitamos a adaptaciones cercanas tenemos dos ejemplos perfectos. Tomas Alfredson entregó una de las mejores adaptaciones del escritor en 2011, Tinker Tailor Soldier Spy (El topo en nuestro país). En la otra cara de la moneda tenemos la película de Anton Corbijn, A Most Wanted Man. Un filme inteligente, absorbente, bastante fiel y con un Hoffman -como siempre- arrollador en su atención al detalle y su sutileza; no obstante una adaptación mayormente menor de los textos del novelista británico. Ahora llega a los cines esta Our Kind of Traitor. Adaptación de una novela menor del escritor, con guion de Hossein Amini (Drive), y Susanna White (La niñera mágica y el Big Bang) en la dirección. Para completar la propuesta tenemos a un potente reparto en el que encontramos a: Ewan McGregor, Stellan Skarsgård, Damian Lewis, Naomie Harris y Alicia von Rittberg -entre otros-.

sábado, 19 de noviembre de 2016

Crítica de “La llegada”

-Densa, aterradora, conmovedora y relevante. Una de esas películas que renuevan la fe en el séptimo arte, de esas que te remueven las entrañas.

-Todo funciona a las mil maravillas. Arrival es la mejor ciencia ficción en años, es una obra maestra casi perfecta.

Todo el mundo lleva muy atento al trabajo de Denis Villeneuve desde 2010, cuando estrenó Incendies. La valentía y la absoluta precisión de sus trabajos ha ido brotando hacia algo grande. Personalmente creo que Enemy era demasiado aburrida y pretenciosa para lo poco que tenía que ofrecer, pero aparte de eso la filmografía de este señor canadiense es intocable. Hasta ahora lo mejor que había dado eran los últimos 40 minutos de Sicario. En esos 40 minutos no solo había derroche de técnica, innata habilidad narrativa, brillante dirección de actores, etc. Había osadía, riesgo del que no se suele ver en el cine. El cineasta tenía los bemoles de mostrar lo que nadie más se atrevía a mostrar, y hacerlo además con un impacto que te dejaba tirado en la moqueta babeando. Ahora prueba suerte con la ciencia ficción antes de entregar la secuela de un clásico imborrable como Blade Runner, así que los que odiamos las secuelas/precuelas/remakes y amamos Blade Runner vamos a ver Arrival con la mirada fija, candente, en la pantalla. La historia de Arrival está basada en el relato corto de Ted Chiang, The Story of your life, que fue galardonado con los prestigiosos premios Hugo y Nébula. El guionista encargado de adaptarlo es Eric Heisserer (The Thing, Lights Out) y el brillante reparto lo conforman: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O'Brien y Tzi Ma -entre otros-.

lunes, 14 de noviembre de 2016

Crítica de "Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás"

-No es lo suficientemente emocionante para lo estúpida que es. Ni sus responsables saben de qué leches va la película. Los últimos 30 minutos son peores que Guantánamo.

-Cruise sigue siendo un Reacher efectivo, pero ni él puede arreglar el desastre. Smulders sigue con su registro, está correcta y no importa casi nada.

La primera Jack Reacher (2012) tuvo muchas críticas negativas, pero yo me lo pasé demasiado bien. Tom Cruise se comía la función como el duro personaje de las novelas de Lee Child, en una película de acción tan deliciosamente autoconsciente como solvente. La sólida labor de Christopher McQuarrie le valió el puesto de director en la última aventura -por el momento- de Ethan Hunt. Y estaba claro que habiendo funcionado la primera parte, no se haría esperar otra aventura de Jack Reacher, así que para la secuela el Cruise productor ha elegido como director a Edward Zwick, que ya le dirigió en El último samurái. El guion corre a cargo del propio Zwick, de Marshall Herskovitz (El último samurái) y Richard Wenk (Los siete magníficos 2016). Por desgracia en el reparto no repiten Rosamund Pike ni Richard Jenkins, en su lugar tenemos a Cobie Smulders, Danika Yarosh y Aldis Hodge -entre otros-. Veamos ahora la razón por la que queremos volver atrás, es decir, olvidar qué hemos visto esta secuela.

jueves, 10 de noviembre de 2016

Crítica de “Blair Witch” (2016)

-Ésto no es una secuela, es un remake calcado del original. Pero donde antes había ingenio, singularidad y atmósfera; ahora solo hay ruido. Wingard no tiene nada que contar.

-Un colmo de chorradas, redundancias y tediosos efectismos. En vez de quitarme el sueño, me lo provoca.

No soy un gran admirador de The Blair Witch Project, pero entiendo lo que significó para el género y como funcionó como precursora de una generación, también elogio que sea una película de terror en la que se estimula la atención por la atmósfera, los personajes y el “folklore” de los bosques de Maryland. Así pues, la película del 99 la veo como un curioso experimento poseedor de las virtudes que el género hace tiempo que perdió. Y aunque parece que el género no quiere aprender, también parecía que el público estaba listo para volver a buscar a la bruja de Blair. Adam Wingard y Simon Barrett son los encargados de volver a llevarnos hasta los bosques de Maryland con una absurda excusa argumental que además desaprovecha sus posibilidades. La carrera de éstos dos había ido en ascenso gracias a títulos de lo más extraños e interesantes, véase The Guest o You're Next, pero como vengo a contaros, Blair Witch es un duro golpe para una filmografía que estaba lejos de asentarse.

domingo, 6 de noviembre de 2016

Crítica de "Sully"

-Una gran película americana y una gran película humana. Clint vuela a una altura notable y al final del viaje los pasajeros felicitamos al piloto y al resto del equipo.

-Un filme tan clásico como rigurosamente moderno. Eastwood se introduce en las escenas que otros desecharían, Hanks se redime tras Inferno con una interpretación increíble.

A poco que me conozcáis o leáis, sabréis que en mi calendario cinéfilo la fecha más importante del año es el día en el que Clint Eastwood estrena película. También he aclarado ya en muchas ocasiones que siempre defenderé que los cineastas continúen dirigiendo a pesar de hacerse mayores, pues como Clint, yo también creo que la edad solo significa tener más arrugas. Ya saben, experiencia divino tesoro. El 2014 fue bastante polémico para el director californiano. Fue curioso ver como probaba suerte con el género musical en Jersey Boys, pero resultó una cinta muy menor. Por otro lado su American Sniper recibió tantas críticas negativas como positivas, y fue la película más taquillera de toda la carrera de Eastwood como director. Personalmente creo que el filme protagonizado por Bradley Cooper no se entendió de la forma correcta, porque lejos de la hagiografía estaba el retrato de un personaje ambiguo y contradictorio dentro de un acontecimiento bélico enfocado desde una postura antibelicista. Aún así las torpezas del guion sí dejaban algunas dudas más que razonables. En 2015 no tuvimos película de Eastwood, así que este año tocaba. El director de Mystic River nos trae la historia real del piloto aéreo Chesley Sullenberger, que en 2009 se convirtió en un héroe cuando, al poco de despegar, su avión se averió y logró realizar un aterrizaje forzoso en pleno río Hudson, con 155 pasajeros a bordo. El guion de Todd Komarnicki (Seduciendo a un extraño) está basado en las memorias del propio Chelsey Sullenberg. Para interpretar al piloto tenemos a Tom Hanks, en la extensa galería de secundarios encontramos a: Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Sam Huntington y Jerry Ferrara -entre otros-. Veamos si Eastwood ha vuelto con fuerza o si ha tenido que realizar un aterrizaje forzoso.

miércoles, 2 de noviembre de 2016

Crítica de "Que Dios nos perdone"

-Thriller incómodo, sofocante, sudoroso, frenético y correoso. Rodrigo Sorogoyen entrega una película soberbia, de esas que dejan marca.

-Guión muy hábil, puesta en escena magnífica y unos intérpretes que te clavan en el sillón.

De nuevo una película reafirma lo que llevamos tiempo diciendo, en este país tenemos un dominio del thriller que no lo ves prácticamente en ninguna otra parte. Por diversos motivos no he visto la última película de Alberto Rodríguez, pero sí pude visionar “Tarde para la ira”, esa ruda y áspera ópera prima de Raúl Arévalo que dejaba resonancias de Peckinpah, Mann y Saura. Y si la nueva apuesta del género la dirige un joven muy prometedor que nos sorprendió a muchos con “Stockholm” hace tres años; pues firmo y me tiro de cabeza. En esta ocasión el retrato de los personajes vuelve a ser lo más importante, pero ahora se desarrolla dentro de un thriller cruel y mórbido que muchos catalogarán de copia de “True Detective” o del cine de Fincher, a falta de una visión analítica más amplia y profunda, puede que directamente desconocimiento de los elementos del género y la evolución de sus características. Aquí no tenemos a Fincher ni la serie de Pizzolatto, aunque puedan existir paralelismos en cuanto al tipo de “buddy movie” y lo que pretende extraer de sus personajes, pero eso lo dejo para líneas posteriores. El guion corre a cargo del propio director e Isabel Peña, que se encargó del sorprendente libreto de “Stockholm”. El reparto lo protagonizan Antonio de la Torre y Roberto Álamo, entre los secundarios encontramos también a: Javier Pereira, Luis Zahera, José Luis García Pérez, Mónica López y María Ballesteros -entre otros-.

domingo, 30 de octubre de 2016

Crítica de "Dr. Strange"

-Un fichaje sobrenatural -de bueno- por parte del UCM. Me lo paso como un crío con Stephen Strange, y el adulto que llevo dentro aplaude también. Parece arte de magia.

-Visualmente brillante, tan emocionante como una montaña rusa del revés y tan sutilmente ingeniosa que dan ganas de darle la mano a sus responsables.

Cuando se hizo oficial el nombre de Scott Derrickson para la dirección de la película, la mayoría se quejó, algo lógico teniendo en cuenta algunas “joyitas” de la filmografía de este señor. Personalmente defendí la elección, me daba buen presentimiento, pensé que Derrickson le daría más oscuridad, sino madurez, al universo. Doy gracias por haberme equivocado, ya que la película resultante es tan colorida y brillante como cautivadora. Esta segunda película de la “Fase 3” del UCM nos trae a Benedict Cumberbatch como el Hechicero Supremo. Aunque de nuevo Marvel/Disney ha optado por contarnos los orígenes del personaje, así que nos trae a Benedict Cumberbatch como una especie de Gregory House sin bastón ni problemas de drogas. Para acompañarle, el mejor elenco de secundarios de la franquicia: Chiwetel Ejiofor, Rachel McAdams, Mads Mikkelsen, Tilda Swinton, Michael Stuhlbarg y Scott Adkins -entre otros-. Pero bueno, vamos a hablar de este nuevo y alucinógeno agregado al canon Marvel. Un consejo, olviden todo lo que creen saber.

jueves, 27 de octubre de 2016

Crítica de "Snowden"

-Una película entretenida, dócil e innecesaria. Oliver Stone sigue desaparecido y ya nadie le busca.

-El ritmo es correcto y el reparto es excelente. Lo demás es tan sólido como insípido.

Sí, “La fiesta de las salchichas” es mucho más incendiaria que los últimos trabajos de Oliver Stone. Decir ésto también me duele un poco a mí, pero es la verdad. El que fuera uno de los directores más polémicos, rompedores y con más huevos, se ha convertido en un cineasta tan lánguido como aburrido. Mucha gente desprecia -por ejemplo- “Natural Born Killers”, pero no creo que ni ellos puedan negarme que el tío que la hizo tenía más cosas que decir y formas más atrevidas de decirlas que el señor que firma “Snowden”. Me gustó “Savages” porque tenía destellos de un Stone osado, pero salvo algunas de sus propuestas documentales estoy seguro de que el cineasta no entrega nada realmente bueno desde finales de los 90. Lo que nos trae en esta ocasión es una película sobre Edward Snowden. Una propuesta algo sorprendente teniendo en cuenta que el documental “Citizenfour” de Laura Poitras nos impactó a todos hace tan solo dos años. Sea como fuere el guión basado en el libro de Luke Harding (periodista de The Guardian) lo co-escriben el propio Stone y Kieran Fitzgerald (“The Homesman”). Como Snowden tenemos a Joseph Gordon-Levitt, y el elenco de secundarios lo componen: Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage y Timothy Olyphant -entre otros-. Desvelemos entonces las claves de esta propuesta.

Crítica de "La fiesta de las salchichas"

-Todo lo incorrecta, obscena y grosera que prometía ser y algo más. Este equipo ha creado una película que te dará ganas de todo, menos de comer.

-Bizarrada existencialista tan pasada de rosca que uno se echa las manos a la cabeza. Esta fiesta se mueve entre guiños, homenajes, reformulaciones y gags controvertidos.

Termino “La fiesta del cine” con “La fiesta de las salchichas”, puedo poner algunas pegas a semejante experimento pero la verdad es que no había manera más destructiva y alucinógena de concluir. Lo que podía hacer un equipo formado por Evan Goldberg, Seth Rogen, Jonah Hill, Kyle Hunter y Ariel Shaffir -entre otros-, lo tenemos todos bastante claro. Pero la animación es un mundo que se rige por otras normas, y la verdad es que los límites de ese mundo aún están por delimitar. Estos chicos han decidido poner a prueba esos límites al tiempo que observaban hasta donde podía llegar su humor sucio en el trayecto. Para darle vida a sus perturbadoras ideas están los directores: Conrad Vernon y Greg Tiernan. Lo que ha surgido finalmente de muchas horas de trabajo ha sido algo divertido, algo diferente y en alguna medida, relevante. El problema es que cuando estoy visionando la película, ni parece tan divertido, ni tan diferente, ni tan relevante como me quiere hacer creer.

martes, 25 de octubre de 2016

Crítica de "La chica del tren"

-Rutinaria, soporífera, torpe y muy tonta. Una película que cree jugar con el espectador cuando realmente le está aburriendo.

-Mas allá de que la intriga sea previsible, el problema es que a nadie le importa lo que ocurre. Ni siquiera el competente reparto femenino puede hacer que aparte la mirada del reloj.

Mi segunda apuesta en el primer día de la “Fiesta del cine” es un estreno, La chica del tren. Las películas del director Tate Taylor siempre suben de nivel gracias a sus intérpretes. The Help y I Feel Good son ejemplos de lo que digo. Su último trabajo es un cambio de registro en toda regla. Un thriller frío basado en el best-seller de Paula Hawkins. La encargada de escribir un guión notoriamente feminista es Erin Cressida Wilson. En cuanto al reparto, lo encabeza un estupendo trío de actrices: Emily Blunt, Rebecca Ferguson y Haley Bennett. Y detrás encontramos otros nombres conocidos como: Luke Evans, Edgar Ramirez, Justin Theroux, Allison Janney y Lisa Kudrow. Ahora veamos todo lo malo que tiene que ofrecer esta propuesta.

Crítica de "A Quiet Passion"

-Película triste, ingeniosa y profundamente emocional. Sumamente bien escrita, dirigida e interpretada. Pero me queda una espina.

-Biografía concisa y drama comprometido, la nueva película de Terence Davies es una cita obligada independientemente de si conoces al personaje o su obra. Aunque mejor si así es.

Empieza la maravillosa “Fiesta del cine” y un servidor aprovecha el descanso entre sesión y sesión para redactar estas líneas sobre la película que se ha encargado de inaugurar esta semana cinéfila. La afortunada ha sido “A Quiet Passion” (“Historia de una pasión” en nuestro país) de Terence Davies (“Sunset Song”, “The Deep Blue Sea”). Un drama de época biográfico sobre la vida, y en especial el alma, de Emily Dickinson. El propio Davies se encarga de la escritura del guión y una irreconocible Cynthia Nixon le da vida al personaje principal, un personaje y un registro que quedan muy lejos de su famosa Miranda Hobbes de “Sexo en Nueva York”. Para completar el reparto tenemos -entre otros- a: Jennifer Ehle, Duncan Duff, Keith Carradine, Jodhi May y Joanna Bacon. Entremos ahora a comentar si esta biografía va más allá de la admirable rigurosidad.

domingo, 23 de octubre de 2016

Crítica de "El contable"

-Entretenida y sorprendente mezcla de géneros que va cambiando desde una excelente primera mitad, hacia el tópico y la incoherencia de la segunda.

-Gavin O´Connor se toma muy en serio al personaje principal y construye una película mucho más sólida de lo que parecía posible. Affleck demuestra de nuevo que sabe actuar.

Gavin O´Connor es un director al que le hay que mantener la vista encima siempre. Lo último que vimos con su nombre fue “Jane Got a Gun”, una cinta que sacó adelante tras marcharse su director inicial a raíz de una problemática preproducción. Antes de eso, O´Connor entregó su mejor película, “Warrior”, una joya infravalorada que aún no ha llegado a España, ni llegará. Ahora nos trae un thriller dramático sobre un hombre autista de ambiguo código ético, que lleva las cuentas de los mayores criminales del mundo y que también posee unas habilidades militares cuanto menos sobrenaturales. El director vuelve a tratar el tema de la familia como ha hecho en casi toda su filmografía, y en esta ocasión va un poco más allá, pues un tema como el autismo le toca muy de cerca ya que su hijo padece el “trastorno”. O´Connor aleja del autismo el término “enfermedad” y lo convierte en un conjunto de habilidades sobrehumanas; una decisión -inicialmente- encantadora y llamativa, que acaba convirtiéndose en un arma de doble filo. Pero bueno, vamos a empezar como se debe empezar. El guion corre a cargo de Bill Dubuque (“El juez”) y el reparto encabezado por Ben Affleck, lo completan unos secundarios de lujo, como por ejemplo: Anna Kendrick, J.K. Simmons, Jon Bernthal, John Lithgow y Jeffrey Tambor. Veamos a continuación qué nos ha traído Gavin O´Connor en esta ocasión.

sábado, 22 de octubre de 2016

Crítica de “Elle”

-Verhoeven ha vuelto, y eso es una gran noticia para el cine. Elle es cine desgarrador, inquietante, polémico, subversivo y terriblemente divertido. Las bromas cósmicas pueden ser relevantes.

-En contra de toda norma, de toda fórmula y todo cliché; Paul Verhoeven vuelve a contar lo que le da la real gana. Y por eso estamos ante una de las mejores películas del año.

Si no echabais de menos a este insólito director, podéis dejar de leer esta crítica, sois gente con la que no me interesa hablar. O mejor dicho, para la que no me interesa escribir. Estamos en una época donde todo se analiza con minuciosidad para juzgarlo con odiosa superioridad moral. Todos debemos ser políticamente correctos porque prácticamente cualquier cosa es políticamente incorrecta, es inmoral, es indecente. Todo es machismo, racismo, opresión, lujuria, maltrato y básicamente todo lo que hacemos debe ser corregido porque es ofensivo para alguien. Por eso la vuelta de un Paul Verhoeven tan provocativo como siempre, es lo que necesita la sociedad. También el cine, porque ya no hay ambigüedad, novedad, riesgo u otros factores que sí existían -por ejemplo- en diversos ambientes del cine ochentero. Y puede que el nuevo proyecto de Verhoeven ofenda a muchas personas estiradas que no sepan ni aceptar las variables, ni captar un sentido de burla que el cineasta holandés ha impreso en su cine desde el principio. Pero tampoco importa mucho, porque los que vean Elle con la mente abierta y dispuestos a ser provocados por este maestro, van a pasar un rato tan desagradable como delicioso e irónicamente divertido. No voy a dar muchas pistas sobre esta obra que merece ser vista y estudiada libre de todo prejuicio existente, aunque sea tarea difícil debido a la sociedad que ha creado nuestra forma de ser. Pero sí voy a decir una cosa, os pasaréis las noches posteriores a su visionado reflexionando sobre lo que habéis visto. Eso es algo que no pueden hacer muchas películas.

domingo, 16 de octubre de 2016

Crítica de “Inferno”

-Un blockbuster tan inepto como insoportable. Mal escrito, dirigido e interpretado; y encima grotescamente aburrido.

-Un filme sólo para fans muy incondicionales de los cómicos textos de Dan Brown. El resto se dará cuenta, ésto es igual de tonto pero mucho más chapucero.

Nada ha impedido que los libros de Dan Brown, protagonizados por el -ya famoso- personaje de Robert Langdon, fueran un éxito tras otro. Ni siquiera el hecho de que casi todo lo que escribe este señor sean incoherencias cogidas con pinzas y batiburrillos teológicos con poca densidad y menos credibilidad. Al menos el novelista es capaz de hacer atractivos a los personajes, formular una narración cuanto menos interesante, vincular con ingenio los recursos históricos y enganchar al público. Las adaptaciones cinematográficas también aceptan una definición similar. Tanto El código Da Vinci como Ángeles y demonios eran thrillers tremendamente absurdos, pero aprovechaban su frenético ritmo, sus potentes repartos y su categoría de intrigas tontas y sin pretensiones que buscan entretener. Ron Howard se encargó de las dos primeras y ahora regresa para adaptar una más. La tercera entrega adapta la trama del cuarto libro, posponiendo los acontecimientos de El símbolo perdido para una cuarta película que no parece interesarle demasiado al director. En palabras de Howard, este cambio fue para darle a Hanks una gran oportunidad interpretativa derivada de la amnesia que sufre su personaje, que habitualmente “lo ve todo y lo sabe todo”. Otro motivo era que no quería hacer lo mismo por tercera vez. Pues bien, David Koepp repite como guionista tras entrar en Ángeles y demonios con la salida de Akiva Goldsman (A Beautiful Mind), también repite Hans Zimmer por tercera vez y Tom Hanks vuelve a meterse en la piel del profesor Robert Langdon. El reparto lo completan: Felicity Jones, Ben Foster, Irrfan Khan, Omar Sy y Sidse Babett Knudsen. Veamos ahora como ha respondido la saga a este cambio de planteamiento.

viernes, 14 de octubre de 2016

Crítica de "Mechanic: Resurrection"

-Videojuego aburrido, predecible, mecánico y absurdo hasta para los niveles habituales del género. Dos horas de mi vida asesinadas, y ni parece por accidente.

-Podría resultar un estúpido y caricaturesco divertimento si no fuera porque es un producto idéntico a otros cientos, sólo aupado por sus llamativas localizaciones y un jocoso Tommy Lee Jones.

La primera parte dirigida por Simon West en 2011 como remake del título homónimo (llamada “Fríamente... sin motivos personales” en nuestro país) protagonizado por Charles Bronson en 1972, resultó una sorpresa para el que escribe estas líneas, cansado de un género que no aportaba nada nuevo ni bueno. No es que fuera una vuelta de tuerca a los códigos del género ni nada por el estilo, pero a la solidez general de la propuesta se sumaba la más que interesante química entre Statham y Foster, que llevaba el guión a un nivel superior. La secuela llega dirigida nada menos que por Dennis Gansel, conocido internacionalmente por su título “La Ola”. Y el director alemán desvía el planteamiento hacia una explosiva película de espionaje internacional, convirtiendo a Bishop en una especie de Ethan Hunt o James Bond de serie B. De hecho hay unas cuantas referencias a ambos agentes a lo largo de la cinta, y son casualmente algunos de los momentos más entretenidos. Así pues y para entrar rápido y salir rápido de esta reseña, regresa obviamente Jason Statham como protagonista y para secundarle encontramos algunas caras conocidas tales que: Jessica Alba, Tommy Lee Jones, Michelle Yeoh y Natalie Burn -entre otros-.

domingo, 9 de octubre de 2016

Crítica de “Un monstruo viene a verme”

-Una hermosa fábula entre la fantasía gótica y el melodrama mesurado. Bayona y Patrick Ness presionan los botones correctos.

-Un intenso viaje emocional sobre el arte, la imaginación, el paso de la infancia a la madurez, la muerte, las verdades incómodas y el perdón.

J.A. Bayona regresa con la última película de su trilogía sobre la maternidad y las relaciones materno-filiales. Patrick Ness, escritor de la propia novela, se encarga de adaptar el guión para que l director haga su magia. La película ha recibido muchos elogios antes de su estreno, Bayona ha dicho que es su película más personal hasta la fecha; sin embargo el panorama argumental sobre un niño con padres separados, que sufre bullying y con una madre enferma de cáncer; provoca cierta desconfianza. Antes de empezar a desgranar las virtudes y los problemas de la propuesta, recordemos que en el equipo repiten dos colaboradores del cineasta, el director de fotografía Oscar Faura (“Mindscape”, “The Imitation Game”) y el compositor Fernando Velázquez (“Gernika”, “Crimson Peak”). Por último encontramos un reparto muy potente, encabezado por la joven sorpresa Lewis MacDougall y el dúo Liam Neeson/Tom Holland como el monstruo (el primero la voz, el segundo la captura de movimientos); y seguidos de cerca por: Sigourney Weaver, Felicity Jones, Toby Kebbell y Geraldine Chaplin -entre otros-. Ahora veamos si al monstruo de Bayona se lo comen el melodrama y las ambiciones, o si su visita merece realmente la pena.

sábado, 1 de octubre de 2016

Crítica de “El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares”

-Una película empecinada en mostrar su admirada rareza únicamente a través de su CGI. Carente de espíritu, sentido de la maravilla, ansía de descubrimiento o historia. Burton sigue dando palos de ciego.

-El guión es plano, confuso y aburridamente simplón. El reparto no pasa de la mera competencia. Las ocurrencias de Burton no salen del terreno visual.

Voy a ir directo al grano con esta película. Desde 2007 Tim Burton no ha hecho ni una película que realmente merezca la pena. Son 9 años de falta de ideas y películas desastrosas entre las que se salva un poco “Frankenweenie”. Esa vuelta a los orígenes (su corto homónimo de 1984) en forma de homenaje animado al cine de terror, resultó tan lineal y poco sorprendente, como entretenida. Ahora con septiembre diciendo adiós y octubre entrando por la ventana, Burton nos trae su nuevo y peculiar proyecto, basado en la novela de Ransom Riggs. Niños inadaptados con poderes, bucles temporales, monstruos invisibles, etc. Parece un marco teórico prometedor para lo nuevo de Tim Burton. El guión corre a cargo de Jane Goldman (“Kingsman”, “X-Men First Class”) y en el reparto el cineasta reúne a un grupo de actores de renombre entre los que se encuentran: Asa Butterfield, Eva Green, Samuel L. Jackson, Terence Stamp, Judi Dench y Ella Purnell. Ahora veamos qué ha hecho director de “Ed Wood” con su nuevo trabajo tras las cámaras.

lunes, 26 de septiembre de 2016

Crítica de “Captain Fantastic”

-Una película con espíritu enérgico y moderadamente subversivo, buenas ideas y un gran corazón. Viggo Mortensen no podría estar mejor.

-Extraordinaria tragicomedia con moraleja, puede que finalmente sea más mansa de lo debido, pero también es preciosa de principio a fin.

Cuando el actor Matt Ross debutó en la dirección de largometrajes, lo hizo con “28 Hotel Rooms”, un drama romántico que probablemente ninguno de los lectores o escritores de este articulo conozcan. Pero su segunda película seguro que sí la conocéis y os ha llamado la atención. Porque promete regalarnos una de las familias más divertidas y extrañas del panorama cinematográfico al mismo tiempo que busca alegrarnos ahora que el verano toca a su fin y entra el otoño en nuestras vidas. El director también escribe el guión de la propuesta, y para darle vida a esas palabras, consigue un reparto de altura. Viggo Mortensen interpreta a Ben, progenitor, líder de la familia y protagonista mayoritario de la propuesta, seguido por un increíble elenco de secundarios: Missi Pyle, Kathryn Hahn, George MacKay, Steve Zahn, Hannah Horton, Trin Miller y Frank Langella -entre otros-. Ahora sin alargarme demasiado, paso directamente a hablaros de una de las apuestas más atractivas de la temporada otoñal y de lo que llevamos de año.

domingo, 25 de septiembre de 2016

Crítica de “Los siete magníficos” (2016)

-Cuando el western moderno en formato homenaje se junta con el cine de acción comercial y pierde la esencia en un banquete de tiros tan cansino como horriblemente planeado y grabado.

-El convincente reparto y un inicio muy sólido, me dan esperanza. Una pena que el filme sea tan plano, estúpido, trivial y se tome la violencia como un elemento estilístico y baladí.

Sturges quiso homenajear a Kurosawa con un “remake” que mudaba los elementos del cine de samuráis al western, un género que gustaba mucho al maestro. Sin ser excepcional, “Los siete magníficos” sí que contenía elementos raros en su ejecución. Y digo raros porque había detalles especiales en el ritmo y en la forma con la que Sturges retrató a sus personajes y la acción. Aunque al final, aparte de ciertas escenas y de los diálogos de McQueen; la cinta pasó a la historia por la magnífica banda sonora de Elmer Bernstein. Pero las cosas no podían quedar así, porque ahora todo tiene que tener una nueva versión. Así que el irregular Antoine Fuqua, antes de dirigir el remake de “Scarface”, se enfrenta al remake del remake de “Los siete Samuráis”. El western se encuentra hora en una forma envidiable, no hay demasiadas apuestas, pero casi todas las que se estrenan resultan excelentes, y cada vez empieza a apostarse más por el género (para alegría de muchos). Algunos no dudan en denominar el fenómeno, a pesar de su lozanía, “la nueva edad de oro”. Además frente a muchos otros géneros, actualmente este no presenta excesivos remakes. “True Grit” de los Coen y “El tren de las 3:10” de James Mangold fueron de los pocos ejemplos y además salieron muy bien. Ahora es Fuqua quien trae de vuelta el género, para ello cuenta con dos guionistas muy diferentes: Richard Wenk (“Homefront”, “The Equalizer”) y Nic Pizzolatto (“True Detective”, “The Killing”). En el reparto el liderazgo lo lleva el serio Denzel Washington en lugar del serio Yul Brynner, y le acompañan nombres de la talla de: Chris Pratt, Ethan Hawke, Vincent D'Onofrio, Byung-hun Lee, Manuel García-Rulfo, Haley Bennett y Peter Sarsgaard -entre otros-. Decidamos pues si Fuqua ha conseguido llevarnos de vuelta al salvaje oeste.

viernes, 23 de septiembre de 2016

Crítica de "Bridget Jones Baby"

-Bridget Jones vuelve con energía y cierta nostalgia, pero su excesivo amor por el patetismo y su inconcebible nivel de absurdo sumados a la vulgaridad e innecesariedad del conjunto; convierten esta secuela en un ridículo circo de los horrores.

-El reparto funciona tan bien como siempre y el regreso de Sharon Maguire es un soplo de aire fresco. No sé si reírme o llorar de vergüenza, decido hacer ambas cosas.

La primera entrega de esta trilogía (que adaptaba el best-seller de Helen Fielding), fue una agradable sorpresa para el género, que nos descubrió a un personaje encantador y honesto con el que podíamos empatizar como seres humanos. La película fue todo un éxito y lo de comer helado tras las rupturas se convirtió en un delicioso cliché. Tres años después y para intentar repetir el éxito de la original, Universal le pasaría el testigo a la directora Beeban Kidron (“El hombre que vino del mar”). La secuela no sólo no estuvo al nivel de la primera, sino que fue un desastre de la cabeza a los pies, convirtiendo al encantador personaje en una parodia de si mismo que resultaba insultante para las mujeres. Ahora, doce años después, la saga regresa con la directora que lo empezó todo, a los mandos. Sharon Maguire es esa directora, y junto a Renée Zellweger y Colin Firth; representan los nombres importantes de esta secuela. Repiten algunos secundarios como: James Callis, Celia Imrie, Sally Phillips o Jim Broadbent. En cuanto al guión tenemos a tres encargados. Helen Fielding regresa para adaptar de nuevo a su personaje, le acompañan la magnífica Emma Thompson y el espantoso Dan Mazer. Ahora que Bridget ha vuelto a los cines y a nuestras vidas, voy a deciros si debéis estar felices, comer helado, o pasar directamente al whiskey doble.

jueves, 22 de septiembre de 2016

Crítica de “The Free State of Jones”

-McConaughey lleva las riendas de una película de buenas intenciones pero tibios resultados. Gary Ross no está a la altura de las circunstancias.

-Película fría, errática y aburrida. Entre la biografía solemne y complaciente, la dispersa y superficial lección de historia y los destellos de épica con toque western.

Tengo un amigo que lleva mucho tiempo esperando este proyecto de McConaughey, y creo sinceramente que con la sucesión de conversaciones me ha transmitido su ansia por verlo. La verdad es que no pintaba nada mal. La vuelta de Gary Ross a la dirección tras la sobrevalorada “Los juegos del hambre”, era la oportunidad de descubrir si aún podía brindarnos películas de interés o su descanso tras “Seabiscuit” le arrebató de alguna forma su habilidad tras las cámaras. Además el guión para la historia real de Leonard Hartman, está escrito por el propio Ross. Por último tenemos a McConaughey a los mandos de la historia, seguido de unos competentes secundarios, por ejemplo: Gugu Mbatha-Raw, Keri Russell, Mahershala Ali, Brad Carter y Sean Bridgers. Pese a todo esto, lo más atractivo de esta propuesta no reside en el equipo que la lleva a cabo, sino en la propia historia. Gary Ross recupera -o desentierra- una parte fascinante y relevante de la historia americana. Ahora toca examinar su forma de retratarla.

viernes, 16 de septiembre de 2016

Crítica de “Blood Father”

-Mel Gibson ha vuelto. Y por eso esta película es como un regreso a los buenos tiempos del género. Diversión bruta, cinética y socarrona para toda la familia, o casi.

-El guión vive de los mínimos elementos para estructurar la narración. No busquen aristas, matices, ni nada por el estilo. Aunque la dirección de Richet sí tiene un par de cosas que decir.

Jean-François Richet es un director difícil de catalogar. No hay muchos nexos de unión entre sus diferentes obras, tampoco un criterio estilístico, temas interrelacionados, etc. Tras su díptico “Mesrine” y una etapa de barbecho personal, en 2015 estrenó “Una semana en Córcega”. Un remake de la comedia francesa “Un moment d'égarement” (1977) de Claude Berri. Era una película entretenida, jugueteaba con temas interesantes -sin llegar a desarrollarlos- y tenía un reparto sensacional (destacando una brillante Lola Le Lann); pero no parecía el sitio de Richet. Ahora vuelve a cambiar de género sin conexión alguna con el resto de su filmografía. En esta ocasión vira hacia el cine de acción puro, duro y enfurecido. Pudiera parecer que hay cierta semejanza con “Asalto al distrito 13”, el remake de la película de Carpenter, pero la verdad es que no. La historia de esta película, la de un padre exconvicto que debe ayudar a su hija matando a un montón de criminales, definitivamente no es nada nuevo. Precisamente porque esta película parece un viaje hacia atrás, hacia la nostalgia. La historia proviene de una novela del guionista Peter Craig (“Sinsajo”), que se encarga de co-escribir el guión de la cinta junto a Andrea Berloff (“Straight Outta Compton”). Pero lo que de verdad hace esta cinta interesante, es su protagonista. El regreso de Mel Gibson al género que le encumbró como actor, es una alegría para muchos. Y además le acompañan unos secundarios de lujo, como por ejemplo: Erin Moriarty, Elisabeth Röhm, William H. Macy, Diego Luna y Michael Parks -entre otros-. Ahora veamos lo que este thriller de acción frenética puede aportar a los espectadores, y si nuestro querido Gibson consigue redimirse tras una buena ración de acción.

jueves, 15 de septiembre de 2016

Crítica de “Tarde para la ira”

-Un debut fascinante del actor Raúl Arévalo. Thriller seco, áspero y rústico; dirigido con pericia e interpretado con talento a raudales.

-Ritmo sosegado, bastante movimiento de cámara, primeros planos y parquedad textual definen esta ópera prima llena de rabia contenida.

El thriller hace tiempo que se ha convertido en el género predominante en nuestro país. Y como la práctica hace al maestro, hemos aprendido a crear unos thrillers artesanales e impecables que más allá de buscar competir con Hollywood, muestran una personalidad propia y nacional. Muchos consideraban a Raúl Arévalo un actor de comedia sin más registro (a pesar de su variado currículum), la gente debió cambiar de opinión al ver su trabajo en la exitosa “La isla mínima” de Alberto Rodríguez, que casualmente estrena dentro de poco su nuevo e interesante thriller, “El hombre de las mil caras”. Pero a lo que voy, el actor que se descubrió como una cara ideal para el género, se ha pasado a la dirección precisamente con un thriller, y va a demostrar finalmente que también tiene mano para el género cuando está tras las cámaras. También debuta como guionista junto a David Pulido, con un guión que escribieron hace ocho años. En el reparto Arévalo ha trabajado con algunos buenos amigos. El protagonismo se lo lleva Antonio de la Torre al que acompañan: Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio y Raúl Jiménez -entre otros-. “Tarde para la ira” ha sido rodada en Super 16, que junto a la fotografía oscura de Arnau Valls Colomer (“Toro”), consigue una imagen áspera, con mucho grano y perfecta para la historia que cuenta y los ambientes sociales que retrata. El problema, que en nuestro país ya casi no se revela, por lo que el equipo tuvo que llevar la película a un laboratorio de Rumanía. Ahora que está de vuelta en nuestro país y estrenada en cartelera, veamos si merece la pena pasar por nuestro cine más cercano.

miércoles, 14 de septiembre de 2016

Crítica de “Juego de armas”

-Todd Phillips regresa a la comedia para narrar un drama sobre el negocio de las armas. El problema es que su película está diluida, es esquemática, no es tan graciosa ni tan punzante como debería y no parece contar nada.

-Hill y Teller consiguen que la película parezca mejor de lo que es. El primero es sencillamente lo mejor de la película, y construye un personaje muy interesante.

Después de la trilogía “Resacón” y esa intermedia “Salidos de Cuentas”, Todd Phillips podía salir por muchos lados. De las cuatro películas mencionadas, la primera “Resacón” la considero una inteligente, gamberra y excelente comedia. El resto son copias feas, estridentes, horribles y sin gracia. Por eso le agradecemos al señor Phillips que nos ofrezca un nuevo proyecto diferente y más maduro. “War Dogs” (mejor título que el de “Juego de Armas” en nuestro país) nos ofrece una historia más o menos basada en hechos reales, de dos veinteañeros que se forraron a costa de contratos armamentísticos con el ejército de Estados Unidos en plena guerra de Afganistán. El guión corre a cargo de Todd Phillips y Jason Smilovic (“El caso Slevin”) y el reparto protagonizado por Jonah Hill y Milles Teller, lo completan -entre otros-: Ana de Armas, Bradley Cooper, Jeff Pierre, Shaun Toub y Barry Livingston. Si queréis saber cuantos escalones ha subido Phillips en Hollywood, gracias a su nueva comedia, seguid leyendo.

sábado, 10 de septiembre de 2016

Crítica de “Café Society”

-Como cada año, tenemos cita obligada con un cineasta único. Y aunque haya dejado atrás su época dorada, sus películas siguen siendo un lugar en el que reír, desear, apenarse, reflexionar y quedar hechizado por unas sensaciones y sentimientos que parecen de otro mundo anterior; no siempre más fácil, pero sí más romántico.

-Una historia sobre los golpes de la vida y el amor, sobre la madurez y los desencantos; ensalzada por un trío de actores maravillosos y el extraordinario trabajo de Vittorio Storaro.

Como pasa con otros maestros entrados en años, mucha gente cree que el octogenario Woody Allen debería haberse retirado hace muchos años, lo que viene a significar hace muchas películas. Como viene a ser habitual yo creo lo contrario. No niego que en los últimos años Allen sólo me ha cautivado con un par de películas, e incluso algunas de ellas lo hicieron a raíz de una nostalgia provocada por la entrañable revisión de temas habituales en la obra del cineasta. Pero no podría soportar haberme perdido “Blue Jasmine” y tampoco algunas escenas monumentales de la infravalorada “Irrational Man”. Así pues, este año vuelvo al cine -algo tarde- a ver lo útimo de Woody Allen, que en esta ocasión nos lleva hasta la meca del cine en la época que más le ha influido como cineasta: los luminosos y caóticos años 30. La banda sonora vuelve a estar plagada de jazz y no podría estar mejor seleccionada, en la fotografía está un maestro de la talla de Vittorio Storaro (“Ultimo tango a Parigi”) y en cuanto al reparto, lo forman un buen número de nombres atractivos entre los que se encuentran: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively, Parker Posey y Corey Stoll. Ahora paso directamente a contaros qué nos ha traído en este horrible verano el genio neoyorquino.

martes, 6 de septiembre de 2016

Crítica de “Ben-Hur” (2016)

-Normalmente cuando el tiempo te da la razón esbozas una sonrisa orgullosa. Pero este remake es tan malo que uno sufre cuando se da cuenta de que casi sabía lo malo que podía llegar a ser. Es aún peor.

-Un filme perfectamente horrible que define todo lo malo del cine actual. Vacío de ideas, ingenio, habilidad, artesanía, pasión, etc. Ben-Hur logra el podio en mi lista de peores películas del año, dios castigue a quien la saque de ahí.

Muchos ya habéis leído al menos media docena de críticas negativas hacia este remake, y no creo que estéis ansiosos por leer de nuevo lo mismo que en los artículos anteriores. Pero bueno, sin extenderme mucho y para aquellos que todavía necesitan alguna opinión más; voy a hacer el esfuerzo de dedicarle más tiempo de mi vida a semejante despropósito. Llevo desde que se anuncio este proyecto siendo un tipo de personaje que suelo criticar, uno de esos “haters” que odian algo antes de verlo. Pero creo haber fundamentado mi odio sin fundamento en elementos fundamentados. Procedo a explicarme. Vale que los guionistas no eran malos ni mucho menos. Ahí está John Ridley (12 Years a Slave) que no tengo ni idea de que ha hecho en esta ocasión porque el guion es infame; y Keith R. Clarke (The Way Bach). Tampoco rechacé la elección de Marco Beltrami como compositor ocupando el puesto de Miklós Rózsa. Ni que decir tiene que el trabajo de Beltrami es un chiste si alguien intenta compararlo con la maravillosa composición de Rózsa para el filme de William Wyler. Pero había dos apartados que me parecían una broma de mal gusto. En primer lugar el reparto. No sé qué puede hacer que contrates a Morgan Freeman y le pongas rastas para que se parezca a Whoopi Goldberg, desde luego no acepto que Jack Huston (aún sabiendo que es un actor muy competente) sea el sustituto de la infravalorada y extraordinaria interpretación de Charlton Heston y en cuanto al tercero en discordia; quizás que el papel que hace casi 6 décadas interpretara Stephen Boyd fuera ahora para Toby Kebbel era la menos mala de las tres decisiones. Pero casualmente Kebbel está peor que nunca. Y si no acepto estas decisiones de casting, mucho menos acepto que la batuta la tenga el pésimo Timur Bekmambetov (Guardianes del día, Abraham Lincoln cazavampiros). Una decisión que tampoco entiendo por más que llevo un año pensando. Si quieres llevar a las salas el más que innecesario remake de una de las mejores películas que ha dado el séptimo arte y que tras 57 años de su estreno sigue sin haber envejecido lo más mínimo, al menos hazlo con seriedad y calidad. Pero no, Paramount ha querido ayudar a que este verano sea el peor en mucho tiempo y me dispongo a explicaros porque “Ben-Hur” (2016) es una de esas pocas películas especiales, capaces de recibir un cero de nota.

lunes, 5 de septiembre de 2016

Crítica de “Criminal”

-Kevin Costner sale airoso de una propuesta en la que todo falla estrepitosamente. Es larga, tediosa, tonta, fea e irritante.

-El reparto está desperdiciado, la dirección es mala, el montaje peor y el guión para quemarlo y tirar las cenizas a un volcán en erupción.

Esta nueva apuesta del thriller scifi no pintaba nada mal en un principio. Ariel Vromen había dirigido The Iceman, un sombrío y muy interesante thriller mafioso que había gustado mucho a la crítica. Era el momento de que el director se asegurara una posición de interés para futuros proyectos. Además el guión corre a cargo de Douglas Cook y David Weisberg, guionistas de Double Jeopardy y la que ostenta el título de mejor película de Michael Bay, The Rock (para algunos ex-aequo con Pain & Gain). Y el reparto, protagonizado por un renacido Kevin Costner, tiene una lista de secundarios impresionante entre los que se encuentran: Gary Oldman, Tommy Lee Jones, Jordi Molla, Ryan Reynolds, Alice Eve, Gal Gadot y Michael Pitt. Con todo este equipo, una premisa bastante interesante y un trailer llamativo; todo apuntaba a que este decepcionante verano aún tenía alguna cosa que decir.

sábado, 3 de septiembre de 2016

Crítica de “No respires”

-”Don't Breathe” es un thriller de invasiones domésticas muy poco corriente. Te mantendrá agarrado al asiento incluso cuando la lógica no tiene cabida y la sustancia es inexistente.

-El guión es mínimo. Aquí manda la forma, el movimiento, la tensión y el golpe de efecto. Stephen Lang -como siempre- fantástico.

Fede Álvarez y el guionista Rodo Sayagues unicamente han trabajado juntos a los largo de sus respectivas filmografías. Tienen tres películas a sus espaldas antes de hacer esta última. Dos cortometrajes y un largometraje. Me interesa hablar del largometraje. Pues estos dos señores, fueron los culpables de mancillar un clásico y/o referente del terror, la comedia de terror y la serie B. Su remake de “Evil Dead” es una de las películas más idiotas, irritantes e innecesarias de los últimos años. Por alguna razón la crítica cayó rendida a sus pies mientras yo luchaba por no vomitar por toda la sala de cine a la espera de que el mundo fuera exorcizado. Cuando supe que Raimi y Campbell habían dicho que era mejor que la suya, me dieron ganas de dejar de ver cine. No lo hice, y aquí estoy escribiendo estas líneas. Porque el nuevo trabajo de los responsables de aquella película terrible, no sólo pinta muy bien, sino que vuelve a tener el respaldo total de crítica y público. Así Fede Álvarez vuelve al puesto de director y co-escribe el guión junto a Rodo Sayagues, la música corre a cargo de otro habitual colaborador del director, el español Roque Baños (“Las trece rosas”, “El maquinista”, “Celda 211”) y en el reparto Stephen Lang comparte protagonismo con un joven reparto formado por: Dylan Minnette, Jane Levy y Daniel Zovatto. Vamos a ver como el va al director uruguayo en su segundo intento.

martes, 30 de agosto de 2016

Crítica de “Kubo y las dos cuerdas mágicas”

-Entre Kurosawa, Miyazaki y Méliès. “Kubo” es un entretenimiento brillante y de factura extraordinaria, pero con una historia que no está a la altura. Podría haber sido una obra maestra, se queda en un esfuerzo increíble.

-Travis Knight se pasa a la dirección de lo último de Laika. La forma y el concepto se retroalimentan en cierto modo, pero su alma no me cautiva como el de trabajos anteriores. Hay curiosidad, mimo, pero no magia.

Travis Knight es un animador del estudio Laika. Ha sido parte fundamental en la creación de los mundos de “Coraline”, “Norman” y “Los Boxtrolls”. Ahora se ha convertido también en director, para narrar una aventura fantástica totalmente imbuida por el espíritu del Japón Feudal y con un mensaje tan influido por Miyazaki como por Kurosawa. La historia de Kubo, un joven narrador de historias que tras un giro del destino deberá enfrentarse a todo tipo de criaturas en la búsqueda de una armadura mágica con la que vencer a las fuerzas del mal. Chris Butler y Marc Haimes escriben el guión para una historia de Shannon Tindle y el propio Haimes. Por último la deliciosa música corre a cargo del compositor ganador del Oscar, Dario Marianelli (“Atonement”). Un nuevo estreno del estudio Laika, en busca constante de nuevas historias e ideas y lejos de secuelas y repeticiones, es siempre una fecha obligatoria en el calendario de un amante de la animación. Por esa razón he ido al cine con ganas de descubrir un nuevo mundo en Stop-motion y alucinar con sus maravillas visuales y emocionales. Voy a contaros que ocurrió. Si vais a pestañear, hacedlo ahora.

lunes, 22 de agosto de 2016

Crítica de “Star Trek: Beyond”

-Justin Lin entrega la aventura más liviana, cinética y falta de pretensiones de esta joven tripulación. Todo lo hemos visto antes, pero en un verano tan decepcionante, da gusto volver al Enterprise.

-El guión de Pegg está desaprovechado y queda empañado por un trabajo torpe de Justin Lin tras las cámaras. El reparto funciona casi igual de bien que en las anteriores.

Normalmente haría un gran resumen de lo que es “Star Trek”, lo que significa para varias generaciones y como se reinició la saga con el reboot que Abrams dirigió en 2009. Pero a estas alturas todos saben lo que es “Star Trek”. Gracias en buena parte, a ese reboot que hizo accesible el universo, a las nuevas generaciones. Antes de que Netflix nos traiga al completo, todas las series “trekkies” del pasado, y una nueva en colaboración con CBS. Justin Lin se ha puesto a los mandos de la nave insignia de la Flota Estelar, para regalarnos al fin en este espantoso verano; un blockbuster emocionante, inteligente y entretenido para toda la familia. Es una pena que tanto Leonard Nimoy como el jovencísimo Anton Yelchin, nos hayan dejado en los últimos meses. Pero siempre serán una parte fundamental de nuestra tripulación. Como miembros de pleno derecho de la Enterprise, que somos todos los fans de este ilimitado universo. Simon Pegg se encarga del guión con la ayuda de otros cuatro guionistas: Doug Jung, Roberto Orci, John D. Payne y Patrick McKay. Por último al brillante reparto de las dos anteriores, se unen algunos nombres como Idris Elba, Sofia Boutella y Lydia Wilson. Ahora es cuando me toca explicar porque este nuevo viaje espacial hacia lo desconocido, os va a alegrar a muchos el verano.

viernes, 19 de agosto de 2016

Crítica de “Cazafantasmas” (2016)

-Una película innecesaria, con dirección y guión desechables. Paul Feig mete el pie en un gran charco de lodo jugando con la nostalgia. Y adivinen qué, el reparto no tiene la culpa.

-La película es mejor que los horribles trailers y puede verse bastante bien. Junto con el enérgico reparto, las únicas cosas buenas que tengo que decir.

Antes de ponerme a hablar de la nueva “Ghostbusters” creo oportuno decir que el filme original de Ivan Reitman es para muchos de nosotros un clásico de la infancia. Entiendo que sea algo subjetivo, y que muchos vean risible tildar de clásico a esa película cuando el término (con matices variables) va ligado a otros filmes inolvidables como “La gata sobre el tejado de Zinc”. El que escribe estas líneas creció con las dos aventuras de los Cazafantasmas, aunque sólo le tiene gran aprecio a la primera de ellas. Cuando descubrí que se estrenaría una nueva entrega no fue el reparto femenino lo que me echó para atrás. Fue en primer lugar intentar asimilar que no estaría protagonizada por el reparto original, en segundo lugar que borraran los acontecimientos de las anteriores entregas (es decir que fuera un “reboot” en lugar de una secuela) y en tercer lugar unos trailers pésimos. Tras toda la polémica machista y las típicas tonterías de las redes sociales, el “haterismo” y la correción política de las nuevas generaciones que hace poco evidenció el maestro Eastwood; quedaba ir al cine a ver de que forma cogía el testigo Paul Feig (“La boda de mi mejor amiga”, “Spy”). El conocido reparto lo encabezan -entre otros- nombres como: Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones, Kate McKinnon, Cecily Strong y Chris Hemsworth.

sábado, 6 de agosto de 2016

Crítica de “Escuadrón Suicida”

-Un desastre de película. Plana, caótica, deshilvanada, fea e innecesaria. Otro clavo en el ataúd del universo cinematográfico de Warner/DC.

-Sin argumento, sin desarrollo de personajes, sin personalidad visual, sin un tono único que dirija la historia. En esta película fría y diseñada por ejecutivos, nadie sabe por donde van los tiros.

Posiblemente estamos ante la película más esperada del verano, y una de las más esperadas del año en general. Su campaña de marketing se ha encargado de que a todo el planeta le apetezca ir a ver a estos villanos dando caña a ritmo del rock 'n' roll. Esta debía ser la película que asentara finalmente las bases del universo cinematográfico de DC. Y el encargado de escribir el guion y ponerse tras las cámaras sería David Ayer. Un director de películas de acción suburbiales con muchos tintes de serie B (Sabotage, End of Watch) y que también nos dejó el año pasado el elogiado filme bélico, Fury (Corazones de Acero en nuestro país). Este señor no está ni mucho menos acostumbrado a trabajar en franquicias de este tipo, con estos presupuestos y menos aún con las prisas que le establecieron. Warner le dio seis semanas para escribir el guion y empezar a rodar, un rodaje que según muchos rumores y no tan rumores, fue completamente accidentado. Y para colmo, los ejecutivos de la empresa decidieron que tras las críticas recibidas por Batman v. Superman, la película debía ser más alegre y para eso debían rodarse nuevas escenas. Una decisión bastante cobarde, en especial porque las críticas hacia Batman v. Superman se enfocaban en muchas otras cosas que eran fáciles de arreglar sin traicionar el espíritu de este universo. Tras todo ese desbarajuste, al fin podemos visionar el montaje que Warner ha hecho del filme de David Ayer, y descubrir si tanta crítica negativa tiene algún fundamento. Un servidor ha decidido ir a ver Suicide Squad con ganas de descubrir a sus personajes, sucumbir ante la socarronería y a poder ser, encontrar el tono oscuro de DC, pero sin la pedantería existencialista y la densa epicidad del irritante Zack Snyder. Recordemos que el atractivo reparto está compuesto -entre otros- por: Will Smith, Jared Leto, Margot Robbie, Jai Courtney, Joel Kinnaman, Viola Davis, Cara Delevingne, Adewale Akinnuoye-Agbaje y Scott Eastwood.

jueves, 4 de agosto de 2016

Crítica de “Jason Bourne”

-Jason Bourne ha vuelto en plena forma. Al menos en lo que se refiere a la técnica y la energía cinética, la trama y el contenido han quedado muy relegados.

-Si buscas tensas persecuciones, mucha acción y emociones fuertes; esta es tu película del verano. Puede decepcionar que Bourne se haya convertido en un héroe palomitero, pero eso no quita que sea un placer volver a verle en acción.

En 2002 el más que competente director Doug Liman, adaptó al cine el personaje del famoso novelista de espionaje, Robert Ludlum. Jason Bourne llegó a la pantalla grande con el inicio de una trilogía que influiría de sobremanera en el cine de acción del nuevo siglo. El encargado de dar vida al personaje sería un joven Matt Damon, que lograría una excelente mezcla de dureza y fría sensibilidad. Tras dirigir Liman la primera entrega, el testigo de las dos secuelas lo tomaría el británico Paul Greengrass. Este director llevaría la saga a nuevos niveles de calidad técnica. Asimismo los guiones de las secuelas le darían forma a un mundo ficticio alejado de las novelas y muy parecido al real. Y también le aportarían el debido desarrollo al personaje de Jason Bourne, que se convertiría en una especie de antihéroe moderno alejado de los tópicos del género. Jason Bourne es uno de los héroes cinematográficos más importantes de nuestra era. En 2007 nos alejamos de él con la tercera entrega de la saga (y la mejor). Y tras una trilogía memorable, los ejecutivos de Universal pensaron que podrían estirar el chicle con un nuevo héroe. Aaron Cross, al que dio vida Jeremy Renner, protagonizó el spin-off titulado “El legado de Bourne”, dirigido por Tony Gilroy, guionista de las anteriores entregas. Una película irregular, poco efectiva, pero eso sí, entretenida para una tarde de domingo. Ahora bien, Damon no volvería a la saga sin la dirección de Greengrass. Algo que acabaron consiguiendo, por eso estoy escribiendo este artículo. Porque Greengrass y Damon han decidido traer de vuelta Jason Bourne. Toca decidir si a este héroe, aún le queda algo que decir.

martes, 2 de agosto de 2016

Crítica de “Hardcore Henry”

-Normalmente comparar una película con un videojuego tiene muchas connotaciones negativas. Aquí no, “Hardcore Henry” es divertida, adictiva y orgásmicamente salvaje.

-Uno se sienta a ver esta película y no busca más que la violencia estilística y socarrona, los chistes groseros y los excelentes efectos de serie B. Puede que a algunos les parezca algo indigno, pero hay muchos tipos de cine, y uno que divierta tanto no debe despreciarse.

Seguro que os suena Timur Bekmambetov. Es un director de cine bastante malo. Ha dirigido -entre otras cosas- “Wanted”, “Abraham Lincoln: Cazavampiros” y las más que deleznables películas de “Guardianes del día” y “Guardianes de la Noche”. De toda su filmografía seguramente “Wanted” es la única cosa medio pasable. Y aún así debes ser un tipo de espectador muy concreto. Y ahora va a estrenar una de esas películas que merece todo nuestro odio incluso antes de verlas. El remake muy digital de “Ben-Hur”. Pero no vengo aquí a que odiéis a este hombre si no lo hacéis ya (deberíais...), vengo a darle un respiro. Porque es el productor de una película que a priori tiene todos los ingredientes de sus anteriores películas. Es tonta, grosera, violenta e innecesaria. Sólo que en esta ocasión, funcionan. El director de la película es un debutante, Ilya Naishuller. Este joven ruso, ha colaborado en el guión de “Payday 2”, un conocido videojuego FPS (First Person Shooter) que nos metía en la piel de unos atracadores de bancos. Su debut como guionista y director de largometrajes representa una bizarra y poco equilibrada unión entre cine y videojuegos. “Hardcore Henry” es la definición de placer culpable más deliciosa de los últimos años ex-aequo con “Drive Angry” de Nicolas Cage. Es la fantasía sanguinolienta y chabacana en primera persona que todo fan de los videojuegos o “gamer” (no se me vayan a ofender) lleva años imaginando. Los haters dirán que es un juego que no se puede jugar, pero creo que cualquier jugador de videojuegos amante de las películas de acción va a disfrutar de principio a fin, va a convertirla en una película de culto y exigir una secuela. Yo exijo una secuela.

lunes, 1 de agosto de 2016

Crítica de “Dirty Grandpa”

-Es casi todo lo mala que puede ser una película de este tipo. Es burda, aburrida, reiterativa y está guiada por todos los clichés existentes dentro del género. Cine de Adam Sandler, sin Adam Sandler. Pero Efron y DeNiro están ridículos.

-Una vez me reí en esta película. No es broma, en 102 minutos tuve una de esas risas de acto reflejo fruto de algún chiste sexual un poco por encima de la vergonzosa media que establece el filme.

Puede que no sepáis quien es Dan Mazer pero seguro que os habéis reído alguna vez con alguna película en la que apareciera su nombre. Tranquilos, no es algo por lo que sentirse culpable o avergonzado. Bueno, un poco sí. Este guionista, productor y director estrenó hace poco en nuestro país una película titulada I Give It a Year. Era guionista y director de esta supuesta comedia romántica que despedazaba el matrimonio y las relaciones de pareja a base de humillaciones constantes. No estaba mal para lo que suele ofrecer. Y es que si habéis visto algo de Dan Mazer seguro que es porque ha sido productor, guionista y/o director de: la serie y las películas de Ali G, Borat, Brüno y El dictador. Y sí, obtuvo una nominación al Oscar por el guion de Borat. Todos estos esperpentos absurdamente satíricos y supuestamente osados disfrutan de un gran éxito de taquilla, la aprobación incomprensible de la crítica y el estatus de cine de culto por parte del público. A mi en general me parecen una chorrada para catetos que anda bien lejos de las virtudes que debe poseer el cine. Acepto que Borat era más ingeniosa, pero la escatología y la insistencia en provocar eran sus armas principales, y simplemente funcionó porque tocó en los puntos precisos. Ahora, lejos de Sacha Baron Cohen, el Dan Mazer director crea un interesante dúo reuniendo a Zach Efron con el más que acabado Robert DeNiro. Y si sois de los que pensáis que el actor de Raging Bull aún tiene qué decir, a la media hora de Dirty Grandpa habréis perdido toda esperanza. Voy a explicaros qué ofrece la nueva tontería del señor Mazer.

sábado, 30 de julio de 2016

Crítica de “Miles Ahead”

-Don Cheadle debuta con un biopic inusual, osado y provocativo. Una lástima que la película pierda el camino que llegaba a sus interesantes metas.

-El guión ofrece algunos diálogos estupendos y Cheadle una interpretación doblemente sensacional en la piel del músico Miles Davis.

Puede sonar algo triste pero la gente conoce a Don Cheadle simplemente por “El Irlandés” y por ser maquina de guerra en el universo Marvel. No es despreciable, pero la carrera del actor tiene muchas más cosas que ofrecer que esos dos papeles. Y ahora, muy probablemente, las posibilidades para enriquecer su filmografía van a crecer de formar exponencial. Porque en su decisión de hacer un homenaje a su ídolo Miles Davis, se ha propuesto debutar como guionista y director. Cheadle concibe esta historia medio ficticia, medio real, sobre el controvertido músico; y también co-escribe el libreto de la cinta. Y por si fuera poco se pone detrás de las cámaras para dirigir, y protagoniza la cinta dando vida a Miles Davis. Pero no busca que su historia sea la de un biopic tradicional, no quiere seguir esquemas habituales ni ceñirse al camino marcado. Cheadle pone el punto de partida en uno de los momentos más inhóspitos de la vida del músico, una decisión arriesgada. Así es como la película va a dividirse en dos. Dos épocas y dos cintas de géneros diferentes para mostrarnos como era el personaje en cuestión y para de alguna manera, retratar la metamorfosis de la música y de los artistas con el paso del tiempo.

lunes, 25 de julio de 2016

Crítica de “Infierno Azul”

-Una serie B que no interesa ni entretiene. La fotografía y Blake Lively son sus activos principales.

-Podría pasar su torpe dirección, el horrible guión e incluso que le sobre media hora; pero la verdad es que en ningún momento entro en el juego de Collet-Serra.

Jaume Collet-Serra es un director bastante competente, pero por un conglomerado de razones sus películas nunca llegan a interesarme. La razón más importante es que trabaja con guiones de calidad cuestionable. Las películas de este director siguen su propia lógica insostenible que sólo funciona si compras lo que él vende. Nunca ha conseguido atraparme. “La huérfana” me parecía una película larga y sobrevalorada por el público. Después, cuando se pasó a trabajar en thrillers de acción con Liam Neeson, elogié su capacidad de marcar el ritmo y de realizar diestras escenas de acción, pero la falta de tramas interesantes y los absurdos constantes, hacían que me refugiara en los trabajos de Neeson. Ahora el director se pasa al terror de serie B con una de tiburones. El guión corre a cargo de Anthony Jaswinski (“Kristy”) y el protagonismo recae en Blake Lively. Ahora veamos lo que me ha parecido esta nueva película de Collet-Serra, una supervivencia que busca entretener al espectador, darle un par de sustos y lograr algún que otro homenaje al clásico “Tiburón” de Spielberg.

domingo, 24 de julio de 2016

Crítica de “Election: La noche de las bestias”

-La carrera por la peor película del año acaba de ponerse seria, el filme de James DeMonaco entra en primera posición y que baje de ahí puede ser terrible para la salud de este articulista.

-Si algo nos ha enseñado esta saga es que hay que acabar con la purga anual. Votad si queréis a Donald Trump pero por favor que no haya más entregas de este despropósito.

James DeMonaco antes de ser director trabajó como guionista. Y en mi opinión dejó un par de trabajos de cierto interés. The Negotiator y Assault on Precinct 13 no son obras maestras, pero cumplen mayormente con sus pretensiones de entretenimiento. Tras esos “éxitos” se pasó a la dirección debutando con un drama de historias cruzadas con el título Staten Island. La película que no llegaba a ser interesante, estaba protagonizada por Ethan Hawke y Vincent D'Onofrio. El triunfo de este guionista y debutado director llegó con el inicio de The Purge. Lo que ahora es una exitosa y violenta trilogía de serie B comenzó como una pequeña distopía que seguía la fórmula argumental de las invasiones domésticas con un toque ambiguo y ciertos elementos diferenciadores que convertían sus primeros 20-25 minutos en algo realmente interesante. A partir de ahí la película se convertía rápidamente en una soberana estupidez violenta, repleta de fallos y sin fundamento alguno. Por alguna razón una idea que había nacido fallida en una primera entrega, obtuvo una secuela de pretensiones mucho mayores. DeMonaco sacaba la acción al exterior y hacía una lamentable critica a la división de clases con una película de acción de serie B tan crispante, tediosa, asquerosamente violenta y estúpida; que entró fácilmente a formar parte de las peores de aquel año. Ahora tenemos una tercera y presuntamente última entrega (no lo creo debido al final) que viene dispuesta a dar una vuelta de tuerca a sus predecesoras, pero no en ideas, sino en su capacidad de hastiar a cualquier público que busque algo más que violencia videoclipera.